Эфебия

Jingle bells

rams — Thu, 22 Dec 2011 16:11:10 GMT

"Jingle bells", пожалуй, самая знаменитая иностранная песня, которая у нас прочно ассоциируется с Рождеством и Новым годом, хотя в ней нет ни слова об этих праздниках. И это совсем неудивительно, если знать варианты историй ее происхождения. Существует только один неоспоримый факт - "отцом" "Колокольчиков" является Джеймс Пьерпонт, родившийся в 1822 (умер в 1893). Он был фотографом, органистом и музыкальным директором церкви, давал уроки пения и игры на органе, писал песни. И это далеко не все, чем Пьерпонт занимался за всю свою бурную жизнь.
Джеймс считался мятежным музыкантом с плохой репутацией. Мэр города Медфорд, где автор "Jingle bells" жил долгое время, говорил: "Джеймс Пьерпонт был чем-то вроде мошенника". Судя по всему, мэр даже преуменьшил "подвиги" Пьерпонта. Большинство исследователей считает, что песня была написана в 1857 году. Правда, где именно и как она возникла – точно ответить никто не может. Есть три основные версии обстоятельств рождения "Jingle bells".
Однажды в 1851 году, проживая в штате Массачусетс, Джеймс Пьерпонт пришел к миссис Отис Уотерман, которая владела пансионом в Медфорде. Она позволяла Пьерпонту играть на единственном фортепьяно в городе, принадлежавшем учителю музыки. Кстати, позже пансион стал известен как Simpson Tavern, отсюда и возник слух, что Джеймс написал песню в таверне. После того как он сыграл небольшой отрывок из "Jingle bells", миссис Уотерман отметила, что звучанье ее похоже на звон колокольчиков и что песня принесет ему успех. Согласно этой версии, именно благодаря госпоже Уотерман песенка получила свое название. Позже Пьерпонт написал и слова.
Второй вариант говорит, что "Колокольчики" были написаны в Саванне (штат Джорджия). Возможно, песня возникла, когда он тосковал по дому, вспоминая юные годы, проведенные в Новой Англии.
Но наиболее популярная версия гласит, что "Jingle bells" была написана для представления в церкви ко Дню Благодарения, который в США празднуется в конце ноября. Это весьма сомнительно, так как содержание песни не имеет никакого отношения и к этому празднику. Непонятно также, где именно Джеймс ее написал – в Бостоне или Саванне. Разные исследователи и в этом противоречат друг другу. Хотя есть документальные свидетельства того, что в 1857 Пьерпонт жил отнюдь не в Бостоне, как считают многие. Как бы то ни было, говорят, песенка так понравилась детям, что они попросили повторить ее на Рождество. Именно так "Jingle bells" стала одним из символов этого праздника.
Но некоторые выражают сомнение в том, что эта песня могла быть написана для детского церковного хора. Например, Маргарет ДеБолт, историк, писала: "Ссылки на ухаживание не могли быть позволены в программе воскресной школы того времени".
Это песня о быстрой езде и симпатичных девушках, таких очень много появилось в середине XX века, например "Maybellene" Чака Берри или Beach Boys "Fun Fun Fun". Некоторые вещи никогда не меняются.
С названием песни тоже не все просто. Джеймс Пьерпонт дал ей имя "One horse open sleigh". В августе 1857 ноты были опубликованы. А через два года они были переизданы под названием "Jingle bells, or The one horse open sleigh". Желание публики уже тогда было законом.
Сначала песня звучала несколько иначе, чем сейчас: мелодия в припеве была менее веселой и более классической, по звучанию напоминала произведения Моцарта. К сожалению, неизвестно, кто предложил изменить эту часть "Jingle bells", ведь получилось очень удачно.
Многочисленные перепевки сделали песню популярной во всем мире, хотя есть одно "но". Несколько куплетов певцы почему-то постоянно игнорируют, а иногда и вовсе ограничиваются началом песенки.
Опущенный второй куплет повествует о том, как рассказчик поехал с девушкой на прогулку, однако лошадь увязла в сугробе, и парочка выпала из саней. Затем рассказчик вспоминает, как несколько дней назад он упал, и какой-то франт посмеялся над ним. А в последнем куплете звучит призыв:
Пока земля бела, а ты молод – не теряй время:
Забирай с собой девчонок и айда петь эту санную песенку.
Собственно, именно эти строки и вызывают сомнение в том, что "Колокольчики" могли исполняться в церкви.
"Jingle bells" была первой песней, которую передали из космоса. Астронавты Том Стэффорд и Уолли Ширра 16 декабря 1965 года послали отчет: "Мы видим объект, похожий на спутник. Он движется с севера на юг, вероятно, по полярной орбите… Я вижу главный модуль и восемь модулей поменьше впереди. Пилот главного модуля одет в красный костюм…". Затем астронавты достали тайком пронесенные гармонику и бубенчики и исполнили "Jingle bells". Рождественская шутка удалась.
Пародий на "Колокольчики" существует огромное множество. Например:
Jingle bells, Batman smells,
Robin laid an egg,
The Batmobile lost a wheel
And Joker got away. Hey!
Недавно появилась новая пародия, прозвучавшая в рождественском продолжении мультфильма "Мадагаскар":
Jingle Bells, Monkeys Smell,
Melman laid an egg,
Marty thinks that Alex stinks,
And The Camels say "Oy Vey"!
Большинство исполнителей практически ничего не меняет в "Jingle bells". По-моему, это не очень интересно. Поэтому меня привлекло джазовое исполнение "Колокольчиков" Дайаной Кролл (Diana Krall), которую американские журналисты окрестили новой Эллой Фитцджеральд.
Равно одаренная мастерством пианистки и вокальным талантом, Дайана создает удивительные композиции, которые обращаются к каждому слушателю лично и заставляют его включаться в начатую ею изящную игру. При этом певица никогда не дает прямых подсказок и помогает своим слушателям только намеками. "Все дело в том, как вы обращаетесь к человеку. Когда вы рассказываете какую-то историю, нельзя навязывать свое отношение. Вы задаете только настроение, а дальше каждый волен воспринимать все по-своему. Я люблю джаз, потому что это не просто какой-то определенный стиль, а один из способов интерпретации музыки и жизни вообще".
Швейцарская электронная команда Yello в 1995 году выпустила альбом "Essential Christmas", куда вошла песня "Jingle bells". От оригинала осталась только мелодия, текст же совершенно новый. Эти "Колокольчики" стали саундтреком к фильму "Санта-Клаус" (1994 год). Он рассказывает о человеке, нечаянно убившем Санту в рождественский сочельник. Через какое-то время он понимает, что занимает место усопшего.
Большинство критиков называет группу авангардистами, опередившими свое время, которые вдохновляли своим новаторским саундом многих ди-джеев и продюсеров. Наряду с немецкими пионерами Kraftwerk, Yello числятся среди патриархов и основоположников современной электронной сцены. А инструментальные куски их произведений активно используются в рекламе, хип-хопе и электронных композициях.
Оригинальный стиль Yello – это образные, порой абсурдные тексты, которые Мейер проговаривал под непредсказуемые звуковые картины и изобретательные электронные биты Бориса Бланка. В 90-х годах многие мечтали заполучить саундтрек производства Yello.
В 1957 Фрэнк Синатра выпустил альбом с рождественскими песнями. Конечно же, он спел и "Jingle bells". Эта веселая, задорная и по-настоящему новогодняя песня замечательно подходит для создания праздничного настроения.

праздник рождества
christmas
колокольчики
классическая музыка

These boots are made for walking

rams — Sat, 10 Dec 2011 01:54:54 GMT

История знает немало примеров тому, что дети "звездных" родителей стараются хотя бы приблизиться к их славе. Дочь Оззи Осборна или сын Леонардо Коэна являются ярким тому подтверждением. Но у них все еще впереди, а Нэнси Синатра уже давно завоевала статус звезды. Ее популярность нельзя сравнить с известностью Фрэнка Синатры, но все же Нэнси есть чем гордиться.

Мир узнал о первенце Фрэнка в 1944 году, когда он исполнил "Nancy (with the laughing face)", посвященную его четырехлетнему чаду. Он же привел ее на телевидение в 59-ом, где Нэнси познакомилась с Элвисом. Через несколько лет они снялись вместе в фильме "Speedway"; она стала первой певицей, спевшей на альбоме Пресли. Несомненной заслугой Нэнси является визитная карточка "бондианы" 1968 года песня "You only live twice".

После дебюта на съемочной площадке, в студии звукозаписи и развода в 1965 Синатра начала искать свой путь в музыке. Встреча с сонграйтером и продюсером Ли Хейзлвудом (Lee Hazlewood) оказалась решающей. Кроме хитов, Нэнси обзавелась и новым имиджем: вместо милой наивной девушки появилась своенравная sexy-штучка.

В 1966 году был выпущен ее первый хит – сингл "These boots are made for walking". Он в течение четырнадцати недель смог удержаться на первой позиции.

Правда, Ли, сочинивший песню, предполагал, что ее будет исполнять мужчина. Он сам записал ее в 1965. А Нэнси пришлось 6 месяцев уговаривать его отдать "These boots..." ей. В итоге радиохит никого не оставил равнодушным. Как и Нэнси Синатра – хрупкая подвижная блондинка в сапожках и мини-юбке с белокурой копной волос и "стрелками" на глазах.

В 87 песня прозвучала в фильме Стэнли Кубрика "Full metal jacket", рассказывающем о событиях во Вьетнаме. Именно благодаря сцене, в которой проститутка приставала к военным, многие американцы и помнят "These boots...".

Кстати, Синатра дважды ездила с концертами во Вьетнам. Но вот сведения о ее выступлениях достаточно противоречивы. С одной стороны, говорят, что она была награждена медалью и пользуется уважением ветеранов войны во Вьетнаме. А с другой, по словам очевидца, когда Нэнси исполняла "These boots are made for walking" для солдат, некоторые из них бросали в нее свои сапоги. Видимо, им не понравилось напоминание о том, что их "сапоги сделаны для того, чтобы ходить".

Влияние, которое Нэнси оказала на женский артистический архетип, трудно переоценить. Ее песни в разные годы исполняли такие музыканты как Entombed, KMFDM, Primal Scream, Megadeth, The Corrs, Coil, My Dying Bride, The Ventures, Аманда Лир и Демис Руссос. Многие считают, что Шэрил Кроу, Ширли Мэнсон и Гвен Стефани стали прямыми последовательницами провокативной и чуть насмешливой манеры пения Нэнси, ее женственности, сочетающей в себе черты подростка и роковой красотки.

Мадонна рассказывала, что когда в детстве она слушала "These boots are made for walking", то ей так и хотелось запрыгнуть в эти "сапожки" и топать-топать-топать… А Квентин Тарантино дал вторую жизнь песенке "Bang bang (my baby shot me down)" в исполнении Синатры, введя ее в саундтрек к "Kill Bill".

Журнал Rock City Magazine назвал Нэнси "истинной прародительницей женского рока". Но сама Синатра говорит о себе: "…я такая, знаете ли, простая девушка, привыкшая петь более-менее прямолинейные песни".

Количество и качество кавер-версий "These boots are made for walking" настолько разнообразно, что можно только диву даваться.

К примеру, необычный вариант от Symarip – британской группы, игравшей ска и регги в конце 60-х – начале 70-х. Коллектив известен как первая группа, которая выбрала своей аудиторией скинхедов. В 1969 г. Symarip записали альбом "Skinhead moonstomp". Их песни рассказывают о солнечных берегах Карибского моря, девчонках и танцах, расставаниях и встречах, настоящей любви и дружбе. В них много намеков и классических скинхедовских образов: например, "прогулка по луне" была взята из песни "Moon hop" группы Derrick Morgan, "поездка в Радужный Город" – из песни "Train tour to Rainbow City" (Pyramids – бывшее название Symarip).

Самое большое достижение Symarip, по мнению критиков, состоит в том, что "они донесли образ "ботинок и подтяжек" до множества людей во всем мире – если бы их не было, эта одежда была бы забыта сегодня. Но Symarip словно нарочно повторяют ее описание в нескольких песнях подряд – "Skinhead moonstomp", "Skinhead jamboree", "These boots are made for walking" и "Skinhead girl" содержат множество намеков на внешний вид скинхедов первой волны".

Очень неожиданно песня "These boots…" звучит в исполнении Megadeth. Эта трэш-метал-группа была основана в США гитаристом Дэйвом Мастейном после его ухода из Metallica в 1983 году. Вряд ли кто-то мог тогда подумать, что Дэйву удастся раньше своих конкурентов и бывших коллег обратить трэш в еще одну форму рок-мэйнстрима.

Megadeth – это искаженное написание модного в эпоху холодной войны термина "megadeath", означающего одновременную гибель миллионов людей в ядерном конфликте сверхдержав. Именно отсюда берут начало все сердитые и политически озабоченные тексты и обложки Megadeth.

Группа записала кавер под сокращенным названием "These boots" на свой первый альбом "Killing is my business... and business is good" 85 г. Но так как слова песни были сильно изменены и включали ненормативную лексику, ее автор, Хейзлвуд, отказал коллективу в праве ее переиздать. Поэтому коллективу пришлось в измененных местах поставить всем известный звук (биип).

Кантри-версия "These boots are made for walking" появилась благодаря Billy Ray Cyrus на его первом и самом успешном альбоме 92 г. "Some gave all". Сингл "Achy breaky heart" сделал Билли Рэя звездой. Правда, в 2004 году журнал Blender назвал хит "второй самой худшей песней". С 2001 года Сайрус снимается в сериалах.

В 2005 Джессика Симпсон записала саундтрек к фильму "Дьюки из Хаззарда", в котором она снялась в роли сестры братьев Дьюков. Скажем честно, это не лучшая песня Джессики и не самая хорошая кавер-версия хита Нэнси Синатры. Но все же она доказывает, что эта музыка будет вечной!

Dance me to the end of love

rams — Sat, 10 Dec 2011 01:30:51 GMT

"Dance me to the end of love" – одна из самых красивых баллад о любви, которые когда-либо были написаны. Именно с ней большинство людей ассоциирует Леонарда Коэна. Этого признанного гения журнал "New Musical Express" назвал "лучшим сыном Канады".

Леонард Коэн родился на десять лет раньше, чем участники Beatles или Rolling Stones, и был на год старше Элвиса Пресли, но в музыку пришел намного позже своих современников. Он дебютировал как музыкант уже в 35-летнем возрасте, выпустив к этому времени несколько романов и поэтических сборников и заработав крепкое литературное имя.

Журнал "Boston Globe" на публикацию второго романа "Beautiful Losers" откликнулся рецензией, полной дифирамбов: "Джеймс Джойс не умер, - утверждал восторженный критик. - Он живет в Монреале и зовут его Леонард Коэн". В декабре 2003 у Леонарда Коэна спросили: что заставило Вас сменить успешную писательскую карьеру на зыбкие эстрадные подмостки? Он ответил примерно так: "Когда вы пишете роман, у вас возникает желание упорядочить окружающую жизнь. Нужно, чтобы в вашей жизни присутствовала женщина. Замечательно, если вокруг будут дети, - значит, в доме всегда найдется еда. Очень хорошо, если есть место, где чистота и порядок. Все это у меня было. И вот тогда я решил, что лучше я буду писать песни".

В этом ответе есть большая доля шутки, поскольку успешным писателем Коэн был только с точки зрения критиков. Несмотря на восторженные рецензии, его романы продавались из рук вон плохо, писательское ремесло отнимало много труда и нервов, и к тридцати трём годам Леонард окончательно понял, что не сможет зарабатывать на жизнь литературным трудом. Идея стать звездой эстрады выглядела не менее абсурдно: ни внешностью, ни голосом, ни пластикой Коэн никогда не блистал, был крайне неуживчив и мнителен, страдал неврастенией и периодически злоупотреблял стимуляторами. Свидетели первых шагов его эстрадной карьеры вспоминают, как он психовал в студиях, стеснялся профессиональных музыкантов, норовил сбежать со сцены на концертах, забывал свои стихи и приходил в ужас от собственных записей.

В начале 68-го музыкант подготовил дебютную пластинку со скромным названием "The Songs of Leonard Cohen". Несмотря на довольно умеренное продюсирование и не очень веселое настроение песен, альбом оказался хитом в фолк-коммуне. Коэн автоматически попал в пантеон самых искренних и исповедальных авторов 60-х.

Всего за три года поддержка фанов артиста приобретала культовые черты. Среди самых горячих его поклонников оказался режиссер Роберт Олтмэн. Его фильм 1971 года "McCabe and Mrs. Miller" так обильно наполнен музыкой Коэна, что его можно рассматривать как первое полнометражное видео к песням певца.

Вышедший в 1985 году альбом стал самым известным релизом Коэна: он называется "Various positions", и первым треком на нём идёт суперхит "Dance me to the end of love", благодаря которому Коэн действительно стал звездой мирового масштаба.

По итогам общенационального опроса, проведенного в Канаде в канун XXI века, Леонард Коэн оказался третьим в списке самых влиятельных канадцев в искусстве. Артист не скрывает, что это, конечно, очень приятно и даже трогательно, но ему немного неловко. "Если говорить начистоту, - признается Леонард Коэн, - меня смущает большая часть всего, что я написал. Я чувствую, что мои работы иногда слишком сентиментальны. Хотелось бы, чтобы этого было поменьше. Над этим я сейчас и работаю...".

Многие современные поэты, музыканты, певцы испытали на себе влияние творчества Коэна. Ховард Рэм, современный норвежский поэт, писатель, вспоминает: "Леонард Коэн был первым, кого я встретил в искусстве. Для меня, 15-летнего начинающего поэта, именно он осветил живым светом библейскую историю, которую, я понимал, не смогу найти в Вестланне за тысячу последующих лет. Осознавая это, с еще большим рвением я переводил стихи североамериканского еврея с русскими корнями, противопоставляя его коренному норвежцу из Норвегии, стоящему посередине земли нового миропредставления. Но начало магии - в пении и голосе, который говорил не со мной, а для меня".

Существует несколько удивительных кавер-версий песни "Dance me to the end of love". Одна из них – от Klezmer Conservatory Band. Эта группа возникла в Бостоне в 1980 г., исполняет традиционную клезмерскую музыку. Казалось бы, "Dance me…" никак не может вписаться в традиции еврейской музыки. На самом деле все очень просто. Традиции клезмерской музыки сильно отличаются от европейских, в первую очередь, благодаря истории еврейского народа.

Практически во всех национальных культурах фольклор является частью быта. Он обычно "привязан" к тем или иным событиям, периодически повторяющимся в быту. В фольклоре отражаются общие черты психологии народа. Профессиональная же музыка письменной традиции отражает психологию отдельного человека. Возникала и развивалась эта музыка там, где народ имел свою стабильную государственность. Евреи такой государственности не имели на протяжении многих веков. Однако потребность высказывания не только всеобщего, но и индивидуального требовала своей реализации. Так случилось, что фольклор в еврейской музыке постепенно стал не только частью быта, но и сферой сублимации индивидуального творчества. По сути, еврейский фольклор - это сфера творчества, в которой типическое тесно слито с глубоко личным.

Исследователь Лензон говорит, что мастерство музыканта-клезмера - это мастерство интерпретатора. Одна из специфических сторон еврейского музыкального исполнительства - способность к трансформации исходного музыкального материала, склонность к "перевоплощению мелодии". "Dance me to the end of love" – один из примеров такого произведенного изменения, поэтому стоит прислушаться именно к музыкальному оформлению этого варианта песни.

Еще одну интересную версию хита "Dance me…" предложила Мадлен Перу (Madeleine Peyroux). Она настолько естественно и прочувствованно спела песню, как будто сама ее написала.

Перу выросла в Париже и Нью-Йорке, что во многом определило специфику ее творчества. Французская культура оказала на Мадлен большое влияние, и в 1989 году она начала петь с группами уличных музыкантов в Латинском квартале.

Дебютный альбом Перу "Dreamland" вышел в 1996 и сразу же вызвал настоящий поток сентиментальных рецензий. Наиболее восторженные сравнивали ее с Billie Holiday. Другие вопрошали: как кто-то столь молодой мог исполнить классические песни Holiday, Bessie Smith и Patsy Cline так убедительно, что заставил их звучать, как ее собственные? Журнал "Time" объявил "Dreamland" самой захватывающей вокальной работой дебютанта 1996 года.

Следующий альбом "Careless love" вышел лишь в 2004 году, он снова был единодушно одобрен критиками. Именно на нем появилась джазовая версия "Dance me to the end of love". Вот что сама Мадлен говорит по поводу выбора этой песни: "Это уникальный тип песни о любви. Думаю, это одна из причин, делающей ее настолько привлекательной, но я полагаю также, что она гораздо более экзистенциальна, чем принято считать".

Эта музыка будет вечной!

XXI век
баллады

The rocky road to Dublin

rams — Sat, 10 Dec 2011 01:26:48 GMT

Ирландия известна своей традиционной музыкой. Несмотря на эмиграцию и хорошо налаженную связь с британской и американской музыкой, ирландская умудрилась сохранить многие традиционные особенности. К тому же она сама по себе повлияла на многие направления музыки, например, кантри, которая, в свою очередь оказала большое влияние на рок-музыку в XX веке. Ирландская музыка модернизировалась, сплавлялась с рок-н-роллом, панк-роком и другими жанрами. Примером такой эволюции может служить песня "The rocky road to Dublin".

"The rocky road…" - песня девятнадцатого столетия, в которой рассказывается о простом парне из Туама, задумавшем путешествие через Ирландию в Англию. В пути он переживает всяческие неприятности: в Дублине его обокрали, свободных кают на судне не оказалось, и плыть пришлось среди свиней. В Ливерпуле местные парни оскорбили его родину, стерпеть этого он уже не мог и бросился в драку. Эта песня о постепенном осознании себя ирландцем, понимании своих корней, что в силу долгого подчинения Англии ирландцам было просто необходимо.

"The rocky road to Dublin" – это джига (а точнее slip jig). Ее невероятно трудно спеть правильно. Кроме быстрого темпа, эта песня отличается тем, что не дает практически никакой передышки. Только между куплетами есть небольшие паузы, чтобы ухватить немного воздуха. Нетренированный человек очень быстро начинает задыхаться, пытаясь спеть песню в одиночку. Для того чтобы правильно исполнить ее, необходимо знать слова и их порядок назубок – это уже само по себе подвиг, потому что текста надо запомнить много. Многие певцы слегка меняют его, подстраивая песню под возможности своего языка и легких, поэтому есть различные варианты текста. Кроме того, легкие должны быть, как у пловца, чтобы не оказаться внезапно на полу в обмороке от кислородного голодания. Большая часть исполнителей "The rocky road…" отлично понимает, что не сможет достойно ее завершить, и предпочитает играть инструментальную версию, оставляя провал на долю поющей публики.

В Ирландии пение часто воспринимается как нечто более важное, чем инструментальная музыка. Когда музыканты играют, клиенты паба относятся к музыке как к оформлению, разговаривают, пьют, не особенно обращая на нее внимание. Но стоит только певцу начать исполнять песню, все обращаются в слух, и если и говорят, то только тихие комментарии, призванные ободрить смельчака. Слушатели частенько подпевают во время припевов – это дает исполнителю возможность перевести дыхание.

Paddy Reilly, родившийся в 1939 году, один из немногих, кто смог спеть "The rocky road…", не сбившись, не забыв текст и не умерев от недостатка воздуха. Paddy Reilly – живая легенда фолк-музыки, он один из самых известных исполнителей баллад в Ирландии. С 1996 года Reilly входит в состав группы Dubliners.

К сожалению, в последнее время пение на публике в Ирландии становится все более редким явлением. Причин этому очень много. Например, невозможность утихомирить посетителей паба (особенно за пределами Ирландии, где пение ценится не так высоко); к тому же сигаретный дым, ставший непременным атрибутом заведений такого рода, делает пение трудным или даже опасным.

"The rocky road to Dublin" исполнялась многими, среди них Dubliners, Pogues, Chieftains, а также Dropkick Murphys.

Dropkick – группа, играющая кельтский панк-рок. Она образовалась в 1996 году в Бостоне (США). Dropkick смешивали панк-рок, ирландский фолк, рок и хардкор, по их словам, "в одну громкую, хриплую, ритмичную, хаотичную и иногда безбашенную смесь", пытаясь найти свой собственный стиль. Их музыка основана на творчестве таких групп как Pogues, AC/DC и Clash.

Критики говорят, что Dropkick обращаются к музыке не как ирландская группа, которая играет панк, но как панк-группа, которая имеет кельтские корни. Сами участники группы старательно борются со слухами, что они из Ирландии. "Мы никогда не говорили, что Dropkick Murphys ирландская или фолк-группа. Мы, в первую очередь, американская панк-группа", - убеждает солист Al Barr. "Мы ездим по Европе, и люди говорят: "Так вы, ребята, из Ирландии". Нет, мы американская группа. Мы не хотим быть из Ирландии. Мы не об этом поем. Во мне даже нет ирландской крови. Я шотландско-германского происхождения. Но дело ведь не в этом. Не это важно".

"Я могу сказать, поскольку не состоял в этой группе раньше, что Dropkick создали жанр ирландского панк-рока, - говорит Barr. – Я не утверждаю, что Dropkick Murphys сделали это первыми. Ребята говорят, что Pogues и многие другие, подобные им, повлияли, но я считаю, что, учитывая склонность группы больше к панку, чем к фолку, именно Dropkick сделали это".

Группа, утверждающая, что основала жанр, как это делает Barr с Murphys, кажется живущей в мире фантазий. Или, по крайней мере, выглядит слишком уверенной по поводу своего места в мире музыки.

К счастью для Dropkick Murphys, Barr не хвастает. Соединение кельтской музыки и рок-н-ролла существовало на протяжении многих лет – достаточно вспомнить Pogues и Black 47, которые сделали карьеру, придавая роковое звучание ирландским фолк песням. Но панк-аудитория не слушала это до тех пор, пока Murphys не заставили панк и кельтский фолк слиться сильнее, чем когда-либо прежде. Dropkick Murphys смогли доказать, что являются одной из самых влиятельных групп современной эпохи.

Chieftains, исполнившие "The rocky road to Dublin" в 95 году, стремятся популяризировать ирландскую традиционную музыку. Группа была основана еще в 1962 году и за 40 с лишним лет прошла путь от малоизвестной фолк-группы до коллектива первой величины в ирландском фолке. Chieftains писали музыку ко многим фильмам, например, к фильму Стэнли Кубрика "Barry Lyndon". Они сыграли практически со всеми легендарными исполнителями - Rolling Stones, Corrs, Sined O'Connor, Los Lobos, Эриком Клэптоном и другими. Желание расширить собственные музыкальные границы, а также рассказать всему миру о любимом жанре ирландской народной музыки привело Chieftains к столь необычному сотрудничеству с популярными артистами.

Эта музыка будет вечной!

фолк
ирландская музыка

Hotel California

rams — Thu, 31 Jan 2008 13:33:45 GMT

Существует не так много песен, по поводу слов которых разворачивались бы длинные дискуссии. Как правило, тексты самых известных признанных хитов достаточно прямолинейны и не оставляют места для фантазии. Возможно, тайна исчезает и потому, что зачастую авторы сами с охотой рассказывают о скрытом смысле своих шедевров (если он вообще есть).

Участники группы Eagles оказались умнее – они никогда не объясняли прямо подтекст "Hotel California", оставляя слушателям возможность самим найти метафоры и интерпретировать их. Надо признать, что они этим воспользовались: варианты до сих пор сыплются словно из рога изобилия, поражая то глупостью, то странностью, то практически научным подходом.

"Hotel California" появилась на одноименном альбоме 1976 года в качестве заглавного трека. Кстати, с песней перекликается и обложка пластинки, на которой изображен отель "Beverly Hills". Какие только отели по всему миру не удостаивали чести быть источником вдохновения для хита! Чаще всего упоминался отель California в Todos Santos "on a dark desert highway" в Baja California (Мексика). Однако Дон Хенли опроверг это утверждение. Еще одна забавная теория гласит, что "Hotel California" имеет отношение к Алькатрасу, тюрьме на острове рядом с Сан-Франциско, что в Калифорнии.

Альбом признали шедевром "Орлов", он с завидным постоянством попадает в списки самых лучших записей. В 2003 VH1 назвал "Hotel California" 38 величайшим альбомом всех времен. В 2005 году британский канал Channel 4 включил его в сотню лучших альбомов. Кроме того, "Hotel California" стал наиболее продаваемой пластинкой Eagles.

На песню могла повлиять запись "We used to know" группы Jethro Tull с альбома "Stand up". В пользу этого говорят практически полная идентичность последовательности аккордов и то, что группы вместе гастролировали до релиза песни. Фаны также заметили ее тематическое сходство с синглом Дона Хенли "Sunset grill".

Интерпретации песни настолько любопытны, что заслуживают пристального внимания. Первая версия наиболее популярна и незамысловата: "Hotel California" обращается к теме зависимости от наркотиков, о чем свидетельствуют слова "the warm smell of colitas". Слово "colitas" на испанском языке означает "маленькие хвосты", но здесь авторы подразумевали "colas", кончик ветви марихуаны, где листья наиболее сильнодействующие. Активным веществом в марихуане является тетрагидроканнабинол, его аббревиатура – THC. Упоминающийся в тексте "the hotel California" также можно сократить до этих трех букв. Некоторые расширяют достаточно узкую тему наркотической зависимости: песня может быть метафорой декадентского стиля жизни очень успешной группы.

Вторая теория гласит, что под отелем подразумевается Церковь Сатаны, которая располагалась в переделанном отеле на улице California в Лос Анджелесе. За это говорят то, что одна из их песен получила название "Have a good day in hell", что последним альбомом Eagles был "Hell freezes over" и признание менеджера Eagles (Larry Salter) в 82 году, что группа была вовлечена в Церковь Сатаны. Кроме того, подозрение вызывали и слова о попытке "kill the Beast" и "we haven’t had that spirit here since 1969". Но сильнее всего эту версию подпитывал, скорее, дизайн альбома. Внутренняя обложка представляет собой фотографию людей, находящихся во дворике гостиницы. На балконе над ними неясно вырисовывается фигура человека с распростертыми руками. Многие видят в ней Антона ЛаВея (Anton LaVey), руководителя Церкви Сатаны, и интерпретируют его позу как приглашение находящимся внизу людям последовать в капкан Сатаны. То, что никто из них не подозревает об этой ликующей злобной фигуре, добавляет сцене скрытого ужаса. Правда, потрясает воображение?! На самом деле таинственная фигура – женщина, которую наняли для фотосъемок. Да и группа всегда отрицала какую-либо связь с сатанизмом или оккультными науками.

Следующая версия менее мрачная. Песня, и альбом, повествуют о стремлении к "американской мечте". Hotel California использовался как метафора Америки, американцев. Или же hotel California – символ самой Калифорнии, которая, в свою очередь, стала метафорой жизни в стиле рок-н-ролл. Учитывая, что Eagles в 70-х находились на пике популярности, им пришлось пережить испытание наихудшими сторонами славы: наркотики, деньги и женщины в большом количестве могут развратить кого угодно. И получается, что песня – своего рода предупреждение, описание ситуации в Голливуде, жизни в солнечном штате, можно даже сказать, характеристика западного капитализма.

Еще один вариант: hotel California – это неофициальное название Camarillo State Hospital, психиатрической больницы рядом с Лос Анджелесом, в которую поместили тысячи людей. Слова песни рассказывают о том, что испытывает человек с расстройством психики в долгом заключении. Образность песни объясняется тем, что галлюцинации человека сопоставляются с моментами потрясающего прояснения, когда он сознает, где находится.

Кавер-версии "Hotel California" сильно отличаются друг от друга. Gipsy Kings так обработали песню, что ее практически невозможно сразу узнать.

"Короли" записали "Hotel California" в 1990, а через 8 лет их версия классического рок-хита вошла в саундтрек фильма "Большой Лебовски".

По сравнению с темпераментной испанской обработкой "Отеля" версия от Гельмута Лотти, лучшего интерпретатора классической поп-пузыки, кажется несколько претенциозной и напыщенной, проникнутой излишним пафосом.

Лотти объяснил, почему у него в песне звучит такой надрыв: "Hotel California" рассказывает как о нашем разуме и о наших желаниях, так и о доме с оргиями, которые описываются в песне. Вот почему я решил подчеркнуть способ, каким об этом говорится, и вывести замечательные обороты на передний план. "We are all just prisoners here of our own device". Пленники наших собственных желаний? Просто изумительно!".

В 2004 вышел альбом "Inspiration" неизвестного у нас исполнителя Уильяма Ханга. После прослушивания его варианта "Hotel California" возникает ощущение недоумения, смешанное с невольным восхищением: "Кто позволил взять этому дилетанту микрофон? Хотя получилось неплохо…". Ответ – шоу "Американский идол", прототип нашего "Народного артиста".

Уильям Ханг – американец китайского происхождения, студент колледжа, ставший известным в начале 2004 г. благодаря исполнению песни Рики Мартина "She bangs". Пока судьи Рэнди Джексон и Пола Абдул давились смехом, Саймон Коуэлл раскритиковал выступление Ханга в пух и прах: "Вы не умеете петь, не умеете танцевать, так что же вы хотите, чтобы я сказал?". Надо заметить, что и внешними данными Ханг не блещет, "сладким мальчиком" ему никогда не быть. Его внешность в сочетании со специфическим голосом и пластикой создает довольно-таки комичный эффект. Уильям, защищая себя, ответил: "Я показал лучшее на что способен, и мне ничего не жаль". Восхищенная Абдул на это заметила: "Вот наилучшее отношение, которое я видела". Реакция Ханга выгодно отличалась от злости предыдущих участников. Правда, его все равно не допустили в следующий раунд.

Критики согласны, альбом "Inspiration" ужасен! И потрясающ! "Я говорю: "Спасибо, Господи. Спасибо за что-то другое!".

Думаю, лишних доказательств не требуется – эта музыка будет вечной!

интерпретации песен

Dancing barefoot

rams — Thu, 31 Jan 2008 13:18:46 GMT

Патти Смит называют мамой панка, "крестной матерью" мировой панк-рок-музыки, бабушкой американского интеллектуального панка. Она при жизни стала рок-легендой, хотя в ее карьере был лишь один признанный хит – "Because the night". Но сама Патти не посчитала его большим достижением, дав песне весьма резкую характеристику. В смягченном варианте она звучит как "коммерческий хлам". Патти Смит никогда не стеснялась в выражениях. Ей, бунтарке, чужды всяческие условности.

В числе тех, кто на нее повлиял, называют разные фамилии: Уильям Берроуз, Артюр Рембо, Уильям Блейк, Федерико Гарсия Лорка, Боб Дилан, Rolling Stones и все битники скопом. В 90-х, отвечая на вопрос о самом любимом альбоме, она назвала "Electric Ladyland" Джими Хендрикса. Патти Смит как-то сказала, что ей никогда не нравились 70-е. Там не было ничего, что стоило бы любить. Музыка, которая для нее что-то значила, осталась в 60-х.

Первый альбом Патти "Horses" вышел в 1975 г. В пластинке соединились рок-н-ролл, прото-панк-рок и чтение стихов. Альбом практически сразу признали одним из величайших рок-дебютов. Именно на нем прозвучала, пожалуй, самая известная фраза Патти Смит: "Иисус умер за чьи-то грехи… но не за мои". Когда начался панк-рок, все в нем, начиная от Sex Pistols и заканчивая The Clash, утверждали, что если они кому-то и обязаны, так это Патти с ее "Horses". Альбом вошел в историю музыки еще и благодаря обложке. Строгая (даже до аскетичности) фотография, сделанная Робертом Мэпплторпом, стала классикой.

Ближе к концу 70-х Патти встретила своего будущего мужа – Фреда Смита. Она говорила, что одной из причин, побудившей ее связать себя узами брака, стало то, что не надо было менять фамилию. В 79 году вышел альбом "Wave". Патти Смит записывала его, будучи уверенной, что он будет последним. По большому счету, это одно большое "прощай", – начиная с оформления обложки и заканчивая ровным, приглаженным звуком. "Патти на самом деле сделала очень хитрую штуку. Она умерла в рок-н-ролле, не умерев при этом по-настоящему", – скажет потом секретарь Берроуза Джеймс Грауэрхольц.

Две песни на альбоме, "Dancing barefoot" и "Frederick", Патти посвятила Фреду Смиту, гитаристу группы MC5. Слова для "Dancing barefoot" певица написала в конце 78 года, а музыку сочинил Ivan Kral. Патти хотела сочинить текст, в котором было бы несколько уровней: любовь одного человека к другому и любовь Создателя. То есть песня обращается и к физической, и к духовной любви. Патти Смит призналась, что всегда представляла, как Джим Моррисон поет "Dancing barefoot". Именно поэтому Патти исполнила ее более низким голосом, чем обычно. Она хотела, чтобы в куплетах чувствовалась мужественность, а в припеве – женственность. Песня была очень популярна в Европе и среди американцев, но в 79 ее сочли слишком вызывающей для американского радио.

В песне употреблено слово "heroine", которое, безусловно, означает "героиня", но, дабы не было недоразумений, его сначала планировали заменить. Патти Смит призналась, что рада своему решению оставить все как есть.

Кавер-версии "Dancing barefoot" не шокируют новой интерпретацией, единственное, что меняют группы, – это звучание. Мелодия и текст практически не отличаются от оригинала.

Mission UK на альбоме "The first chapter" 87 года представили аскетичную версию песни. В этой записи слышны только гитары, нет никаких излишеств.

Оригинальное название коллектива – Mission. UK пришлось добавить, потому что такое же название было у филадельфийской R&B группы. Mission UK возникла в 1986 на осколках Sisters of Mercy, исполняет готический рок.

На альбоме "The first chapter" Mission UK по сравнению с предыдущим альбомом "Gods own medicine" не экспериментировали со звуком. Из-за обилия перепетых чужих хитов, этот альбом критики считают не особенно удачным.

В 1989 г. U2 записали "Dancing barefoot" на сингл "When love comes to town". Видимо, песня им сильно полюбилась, потому что U2 исполняли ее много раз на протяжении своей карьеры.

Clan of Xymox, также известный как Xymox, – это darkwave/gothic рок-группа, основанная в Нидерландах в 1983 г. Ронни Мурингсом. Он лидер и единственный постоянный участник проекта. Самым удачным с коммерческой точки зрения стал третий альбом Xymox "Twist of shadows", но последовавший за ним "Phoenix" 91 года был гораздо менее успешным. Критики посчитали, что группа Xymox начала слишком сильно ориентироваться на запросы поп-рок аудитории. В результате "Phoenix" вышел не особенно оригинальным, хотя это не мешает получать от него удовольствие.

Почитатели творчества группы, конечно, не обращают на уровень продаж пластинок и критику рецензентов никакого внимания: "… их музыка постоянно изменялась, всегда бросала вызов и часто захватывала дух. Некоторые из нас всегда считали, что Xymox являются чем-то особенным. Группа, основанная на электронной музыке, но всегда делающая что-то, не похожее ни на что другое. Они уникальны".

"Dancing barefoot" в интерпретации Xymox, на мой взгляд, приобрела особенную загадочность благодаря электронному звучанию.

Коллектив Simple Minds в 2001 году выпустил альбом каверов "Neon Lights", на который записал свои любимые песни. В их числе оказалась "Dancing barefoot" Патти Смит. Как и у Патти, песня начинается со вступления полуакустической гитары, но Simple Minds добавили звонкости. Мрачность трека изменила темп, сделав его более модным.

Эта музыка будет вечной!

панк-рок

Fever

rams — Thu, 31 Jan 2008 13:06:05 GMT

Песню "Fever" первым исполнил Элвис Пресли. В этом свято убеждена большая часть людей. Однако если бы все было так просто, этой передачи не было бы. "Fever" написали Эдди Кули (музыка) и Отис Блэкуэл (он же John Davenport – слова).

Отис Блэкуэл сильно повлиял на рок-н-ролл 50-х. Блэкуэл создал много песен, ставших впоследствии хитами, но он не подписывал их своим именем. Может быть, это было связано с расовыми предубеждениями – недаром же он взял себе псевдоним, звучащий как имя белого человека – Джон Дэвенпорт. Но сам Отис говорил совсем о другой причине: "Я не мог расторгнуть существующий контракт, я ничего не знал о том, что можно пойти к адвокатам или BMI, или ASCAP, или в любое другое агентство, которое могло бы мне помочь. Я начал писать под именем своего отчима, Джона Дэвенпорта. Я знал, если бы публикация песен проходила через Джо Дэвиса, я бы никогда не увидел своих авторских гонораров". После того как "Fever" стала большим хитом, Блэкуэл и Кули начали считаться профессиональными сочинителями песен.

Первый исполнитель "Fever" – Little Willie John – сперва не хотел ее петь. Он раньше никогда не записывал подобных песен, к тому же Джону не нравилось щелканье пальцами – "иди туда, сделай это". Но, в конце концов, его удалось переубедить. Учитывая, что "Fever" стала его первым большим хитом (в 56), это был, по меньшей мере, благоразумный поступок.

Little Willie John никогда не получал почести, какие доставались Сэму Куку, Клайду Макфаттеру и Джеймсу Брауну, но он являлся одним из наиболее влиятельных исполнителей R&B 50-60-х годов. Высокий тембр, огромный технический и эмоциональный диапазон не соответствовали его молодому возрасту, но это не помешало Джону сыграть большую роль в развитии соул-музыки.

У Джона был изменчивый нрав, питаемый страстью к ликеру и комплексом по поводу небольшого роста. Он всегда носил с собой пистолет и нож. В 1964 Little Willie John нанес удар человеку и попал в исправительное учреждение штата Вашингтон, где и умер от пневмонии в 68.

"Fever" принесла большую популярность все же не Джону, а Пегги Ли, известной американской джазовой и поп-певице, и Элвису Пресли, в чьем исполнении она сейчас и известна.

Пегги Ли, она же Норма Дэлорис Эгстром, родилась 26 мая 1920 года в городке Джеймстаун, что в Северной Дакоте. Ее родители, норвежский рабочий и его жена из Швеции, умершая, когда девочке было всего 4 года, подарили Пегги нордическую красоту, сыгравшую не последнюю роль в ее будущей головокружительной карьере. А в юности после перенесенной простуды у Нормы изменился голос, приобретя характерный хрипловатый тембр.

Девочка рано начала работать: сначала вместе с отцом в железнодорожной компании, затем на фермах, а в 14 лет состоялся ее дебют на местной радиостанции. "Мои учителя говорили, что у меня хороший голос, так я что я пустила его в работу", - объясняла она позже. Правда, работу официантки из-за этого Норма не бросила.

Через несколько лет Ли переехала в городок Фарго, где менеджер местной радиостанции предложил придумать более легкомысленный псевдоним. Так она стала Пегги Ли. В конце тридцатых Пегги дважды предпринимала попытки найти работу в Калифорнии, но оба раза были неудачными.

Мягкий и невозмутимый стиль исполнения, выделивший ее из толпы, Пегги впервые испробовала в Палм Спрингс. Она выступала в Doll House, но шум аудитории мешал ей петь. Тогда Пегги попыталась заполучить внимание посетителей, понизив голос. Чем мягче она пела, тем тише вели себя люди. Это открытие Ли никогда не забывала. Благодаря ему пение Пегги получило необыкновенную комбинацию нежности и драйва, хриплости и чистейшей обольстительности.

Одним из слушателей в Doll House был владелец отеля, он пригласил ее выступить у себя. Там Пегги Ли заметил легендарный джазмен Бенни Гудман, солисткой в оркестре которого она стала в 41 году. Через пару лет она вышла замуж за гитариста и на 1,5 года оставила пение.

Вернувшись к работе, она не вернулась в оркестр Гудмена, а начала сольную карьеру, обратившись к поп-музыке. Впрочем, в ее поп-работах всегда ощущались джазовые корни. С 1952 г. Пегги стала вновь записывать и чисто джазовые работы.

В то время она много работала в Голливуде: сыграла роль джазовой певицы, страдающей от алкоголизма, в "Блюзе Пита Келли" (1955 г.), за которую номинировалась на "Оскар"; написала и спела ряд песен для классического диснеевского мультфильма "Леди и Бродяга". Ее голосом в мультфильме разговаривает собака Пег, чья вызывающая походка была скопирована мультипликаторами с чувственных сценических движений самой Пегги.

В 58 г. появилась "Fever" – песня, которая установила стандарты для поп-эротизма.

В 1969 году Пегги получила Grammy как лучшая певица за исполнение песни "Is that all there is?".

Критик из журнала "Downbeat" назвал ее "величайшей белой джаз-певицей со времен Милдред Бейли". А легендарный джазовый критик Леонард Фэзер в "Энциклопедии джаза" описал ее как "одну из самых восприимчивых и ориентированных на джаз поп-певиц". Он ставил ее в один ряд с Эллой Фицджералд, Билли Холидей и Бесси Смит (причем в этом ряду она была единственной белой), и определял ее талант следующим образом: "Если тебя не заводит, когда поет Пегги Ли - значит, ты мертвый, чувак".

Пианист и аккомпаниатор Пегги Ли и Эллы Фицджеральд, Джимми Роулез так определил талант певицы: "Пегги Ли живет в музыке. Она поет, наполняя песни чувством и душевными переживаниями, у нее дивная фразировка и замечательное чувство ритма".

Пегги Ли считалась одним из самых последовательных и удачливых борцов с произволом киностудий и лейблов грамзаписи по отношению к артистам. Ее иск к диснеевской студии, которая не доплатила ей два с лишним миллиона отчислений с продаж видеокассеты с "Леди и Бродягой", стал классическим прецедентом для множества дел того же рода. Незадолго до смерти она участвовала в процессе трехсот музыкантов против корпорации Vivendi Universal, по которому было принято предварительное решение о выплате артистам почти пяти миллионов долларов, утаенных лейблами корпорации.

"Fever" – одна из немногих настолько завораживающих песен, что ее активно исполняют до сих пор. Кроме Пресли, ее спели Boney M, Madonna, известная актриса Bette Midler и Michael Buble.

Восторженные поклонники так приветствовали появление этого канадского певца: "У него голос, который способен заставить любую женщину ощутить слабость в коленках и вызвать дикую ревность во всех мужчинах. …30-е и 40-е вернулись, нет никакого сомнения!".

Майкл вырос на музыке Стиви Уандера, Фрэнка Синатры, Эллы Фитцджеральд, что очень сильно сказалось на его музыке, стихах и манере исполнения. "С детства я считал, что эта музыка прекрасна, – говорит он. – Эти песни так легко запомнить и очень трудно забыть".

Свой первый замеченный критиками диск Michael Buble выпустил в 2003 году под неброским названием "Michael Buble", на котором "Fever" появилась в первый раз. Также он записал ее на альбомы "Come fly with me" (2004) и "With love" (2006), отдавая дань уважения Пегги Ли.

Помните, эта музыка будет вечной!

рок-н-ролл

American woman

rams — Thu, 31 Jan 2008 12:49:46 GMT

Если бы существовала Библия рока, в нее бы наряду со всемирно известными Deep Purple и Led Zeppelin навсегда вошел коллектив Guess Who. И для этого вполне достаточно было бы лишь одной песни "American woman". Правда, сейчас она известна скорее благодаря Ленни Кравицу.

Группа Guess Who родилась осенью 1962 в Канаде в результате слияния двух самодеятельных групп. Поначалу коллектив именовался не очень звездно: Chad Allan & The Reflections. Чтобы выделиться на фоне многочисленных конкурентов, группа организовала авиамост между Лондоном и Виннипегом, получая от одного из знакомых Аллана, учившегося в Англии, через двух стюардесс свежие синглы Клиффа Ричарда & The Shadows, которые на зависть соперникам исполняла "один к одному" сразу же после появления их в британских чартах! Кстати, когда в январе 1964 приятель прислал Reflections первый альбом Beatles, они сразу сообразили, что надо делать. Челки, пиджаки и гитары быстро были приведены в соответствие с изображением на обложке.

Понятное дело, подражания вполне достаточно, чтобы получить популярность у подростков, но маловато для приобретения национальной известности. К счастью, удача оказалась к ним благосклонна. В марте 1963 Chad Allan & The Reflections отправились в Миннеаполис, где записали первый сингл "I just didn’t have the heart". Canadian-American Records издала его, но по ошибке часть тиража оказалась снабжена этикеткой Tribute to Buddy Holly. Эта неразбериха привлекла к пластинке дополнительное внимание. Она стала хитом на местной радиостанции, что позволило группе подписать контракт с самой солидной канадской фирмой Quality Records.

Свое название, Guess Who, коллектив получил благодаря случайности. В мае 1965 их версия "Shakin' all over", без ведома группы выпущенная под названием Guess Who, стала номером первым в Канаде. Перекупившая пластинку фирма упросила их оставить название, видя в нем залог успеха.

Но успех как назло на протяжении нескольких лет обходил коллектив стороной. Лишь третья пластинка ("сорокапятка") "Nimbus 9" в мае 1969 возглавила канадские чарты и была шестой в США. А в мае 1970 они на три недели оккупировали вершину чартов с двухсторонним синглом "American woman/No sugar tonight". Guess Who стали звездами.

Удивительно, но почему-то никто никогда не упоминал о подтексте песни "American woman". Она ведь не столько об отвержении американской женщины, сколько о негативном отношении к Америке в целом. И это вполне естественно, учитывая, что как раз в то время был разгар Вьетнамской войны.

Огромные потери, которые несли США в войне, нежелание молодых людей идти по призыву в армию, чтобы умирать за непонятные им цели, сокращение социальных программ в результате больших расходов на войну, жестокости американских солдат против мирного населения Вьетнама - все это сыграло большую роль в росте антивоенных настроений. Если в середине 60-х антивоенное движение в Америке состояло главным образом из студентов, то к концу десятилетия в нем участвовали самые разные слои населения.

В армии дела обстояли не лучше. Ощущение бессмысленности и бесперспективности войны, тяжелое материально-бытовое положение солдат и ненависть к ним местного населения оказали сильное влияние на психологию американских военных. Деморализация солдат к 1971 году привела к полному разложению армии. Солдаты стали отказываться выполнять приказы или зачастую лишь делали вид, что их выполняют. В 1969 американской армии впервые пришлось столкнуться с таким явлением как убийство или нападение на офицера подчиненными.

Естественно, что антивоенные настроения росли не только в США. В разных странах мира – Швеции, Британии, Австралии – проходили манифестации против войны во Вьетнаме. Песню "American woman" вполне можно считать личным протестом группы Guess Who. А как еще можно истолковать строчки:
I don't need your war machines,
I don't need your ghetto scenes?

Реакция США была поразительно дальновидна – ее просто не было. Правительство Америки словно бы не заметило провоцирующих слов. Расчет оказался верным. Нет реакции – нет скандала – нет головной боли. Guess Who даже пригласили выступить в Белом Доме осенью 70-го. И только дочь Ричарда Никсона, Патриция, попросила их не петь "American woman" как песню… "оскорбляющую чувства американских женщин"!

Одна из самых великих рок-песен "American woman" стала лакомым кусочком для многих музыкантов. Ленни Кравиц записал ее в 98 году на свой альбом "5". Многие считают пластинку самой мощной, яркой и интересной работой Ленни. Другие, напротив, ругают Кравица за излишнюю эклектичность и насыщенное электронное звучание. При записи альбома Кравиц много экспериментировал, скомпоновав оттенки рока, хип-хопа, классических мелодий, саунд-технологий. После окончания работы Ленни сказал: "Во время записи альбома я чувствовал себя мальчиком с коробкой мелков, которому в итоге удалось использовать все краски". Кавер-версия "American woman" стала номером один в хит-парадах, получив Grammy в номинации Best Male Rock Vocal Performance в 99 году. Позже песня вошла в саундтрек к фильму "Остин Пауэрс: шпион, который меня соблазнил".

Krokus, не очень известная ныне группа, тоже не устояла перед песней, включив ее в альбом 82 года "One vice at a time". Коллектив появился в 1974 году, приобрел некоторую популярность в 80-е, став наиболее успешной швейцарской рок-группой в мире. Они выступали вместе с Nazareth, AC/DC, Motorhead, Rush, Judas Priest. Российские поклонники Krokus считают "One vice at a time" не особенно удачной работой, поскольку пластинка основана на подражательстве AC/DC. Правда, фаны не отрицают, что в этом отношении альбом удался: "Все песни альбома "One vice at a time", включая несколько утяжеленную кавер-версию группы Guess Who "American woman", звучат стандартно, в стиле AC/DC. Играют музыканты Krokus не хуже своих коллег из AC/DC, вокал Марка Сторэйса тоже не уступает вокалу Бона Скотта. Короче, полная копия".

Недавно знаменитая группа INXS обрела нового вокалиста – канадского исполнителя J. D. Fortune. Процесс выбора фронтмена был довольно интересен: для этого создали реалити-шоу "Rock Star: INXS". "Не будет преувеличением сказать, что мечта стала реальностью, – радовался J. D. – Когда я рос, альбомы INXS очень сильно влияли на меня. Я слушал их песни, и думал, что бы было, если бы я попал в эту группу. Ну и теперь мой мозг просто взрывается от осознания происходящего". Tim Farriss из INXS так прокомментировал выбор фронтмена: "J. D. находится на несколько опасной грани, и это обогатит наши концерты некоей спонтанностью, что ли. К тому же он обладает теми звездными качествами, которые мы искали. Он пишет талантливые стихи и, я думаю, будет расти с нами на всех уровнях. Мы все снова стали полной командой".

В ноябре 2005 группа представила новый альбом "Switch". Он был встречен довольно дружелюбно. "Группа вернулась на большую сцену с новыми песнями, столь же страстными, какими они были во времена Майкла Хатченса, – говорит один из рецензентов. – INXS записали альбом, который ни в чем не уступает их лучшим работам. …Вокал Форчуна во многом напоминает глубокий и искренний голос Хатченса, и хотя он немного не дотягивает до высококлассного голубоглазого соула, ставшего отличительной особенностью Хатченса, новый фронтмен уже претендует на звание рок-н-ролльного секс-символа".

Ну а чтобы иметь представление о вокальных возможностях фронтмена INXS, можно послушать его исполнение "American woman".

Эта музыка будет вечной!

рок и случайность

We wish you a Merry Christmas

rams — Thu, 31 Jan 2008 12:15:21 GMT

Песня "We wish you a Merry Christmas" наряду с "Jingle bells" давно стала символом Рождества. Она относится к традиционным рождественским гимнам (Christmas carols), история которых началась в далеком Средневековье.

Christmas carols – это песни, слова которых связаны с Рождеством или же просто с зимой. Их традиционно поют до и во время праздника.

Слово carol, как считают, произошло от французского слова caroller, что означает круговой танец, сопровождающийся пением. Carols были очень популярными танцевальными песнями с 1150-х по 1350-е годы, тогда они часто исполнялись большим количеством людей во время важных празднований, например, по поводу сбора урожая. Позже их стали использовать в процессиях во время фестивалей. Параллельно возникали другие песни для сопровождения религиозных мистерий.

Эти мистерии - одни из самых ранних официально появившихся сценических представлений в средневековой Европе. Они развились из представления библейских историй в церквях как "живых картин" в сопровождении пения псалмов.

Поскольку литургические представления становились все более популярными, в них появились народные элементы. Люди, не относящиеся к духовенству, начали принимать участие в спектаклях. Поскольку драмы приобретали светский характер, их стали ставить на диалекте, свойственном данной местности. Спектакли вышли за пределы церкви к 13 или 14 столетию.

Ранние рождественские музыкальные произведения представляют собой гимны или церковные песнопения. Поскольку церковь боролась с влиянием языческих традиций, пение этих песен было отменено во время церковных богослужений.

Несмотря на это рождественские песни сочинялись и приобретали популярность. Практически все из них были простыми народными песнями, созданными людьми из сельской местности.

Святому Франциску Ассизскому приписывают введение песен в церковные богослужения в течение Рождественской Полуночной Мессы в греческой пещере в 1223 году. Говорят, что музыка, спетая той ночью, была больше близка к тем рождественским песням, которые мы знаем, чем к гимнам.

В отдаленном прошлом странствующие менестрели путешествовали из деревушек в замки, исполняя carols. Позже в деревнях появились собственные группы музыкантов, поющих эти песни. Они даже получили название – waits, что можно перевести примерно как "ожидающие".

Waits первоначально были сторожами, которые ночами патрулировали улицы и тихие дороги старых окруженных стеной городов. Они принимали меры против огня и выкрикивали время. Во время праздничных дней они включали в свой репертуар carols, хотя некоторые люди говорили, что они скорее предпочтут хорошо поспать ночью, чем слушать чье-то пение под своими окнами.

В конечном счете, термин "ожидающие" был использован, чтобы описать группы музыкантов, которые пели и играли для различных событий в течение рождественского сезона.

"We wish you a Merry Christmas" – традиционная английская песня, в которой исполнители просят о вознаграждении за пение. Она возникла примерно в XVI веке. Это единственная традиционная праздничная песня, которая упоминает еще и празднование Нового года.

В наше время "We wish you a Merry Christmas" часто используется в фильмах, звучит в разных рождественских шоу. И, естественно, многие музыканты и певцы записывают ее на свои альбомы.

Часто они создают инструментальные версии этой песни. Например, Кен Наварро – один из ведущих современных джазовых гитаристов и композиторов.

Или Kenny G, о котором не слышал только ленивый.

Госпел-певица Cece Winans представила свое видение "We wish you a Merry Christmas".

Ну а по-настоящему полный вариант песни и ее традиционное исполнение представила Ashanti. Эта никому неизвестная в начале 2002 года певица в марте уже оккупировала одновременно три позиции в Billboard Top 10, в том числе первое и второе место с Ja Rule и Fat Joe. Ее дебютный альбом в Штатах стал дважды платиновым.

Но музыкальные критики приняли ее далеко не так радушно. "У нее приятный, но не такой уж сильный голос, ей нужен очень хороший репертуар и умелое продюсирование. Можно только догадываться, сколько пришлось попотеть Irv Gotti, чтобы вытянуть "Call" или "Rescue" с помощью всевозможных примочек, ласкающих слух", - пишет американский критик. "Мы еще не забыли, как несколько месяцев назад все только и говорили об Alicia Keys, а до нее - об Aaliyah, а еще раньше о Mary J. Blige. И этот список явно далек от завершения", - вторит его европейский коллега. - "У Ashanti действительно было все, чтобы выпустить "лучшую коллекцию песен на планете". Но правда в том, что это альбом дебютный и - скучный. Может быть, чтобы скрыть опасное отсутствие оригинальных мелодий, и понадобились специальные гости в лице Ja Rule и Notorious B.I.G.? ".

Можно слушать критиков, а можно – Ashanti, и составить собственное мнение.

Эта музыка будет вечной!

christmas
праздник рождества

Stairway to heaven

rams — Thu, 31 Jan 2008 12:05:41 GMT

Рождение триумфальной "Лестницы в небо" произошло весной 1971 года в поместье Хэдли Грандж, что находится в Гемпшире. По словам автора музыки Джимми Пейджа, "Лестница в небо" обрела свою известную форму именно здесь: "Я уже несколько месяцев возил за собой кассеты с записью гитары, - вспоминает Пейдж, - и практически написал партии остальных инструментов, как в одно прекрасное утро заявился Роберт Плант и принес готовый текст. Мы только изменили несколько слов, вот, собственно, и вся работа, которая была проделана над стихами".

Вернувшись в Лондон, Led Zeppelin приступили к работе в студии. Задача была для того времени непростая: записать акустическое интро, прописанный на многоканальном магнитофоне струнный оркестр из двенадцати инструментов для средней части и соло на ударных для финала композиции. Как объяснил Пейдж, "главной задачей было создать мощное крещендо, которое исподволь развивалось из интимного вступления акустической гитары".

Гораздо позже лидер группы Jethro Tull Йэн Андерсон заявил, что слышит в словах "Лестницы в небо" влияние своей поэзии. Он объяснил это тем, что Jethro Tull и Led Zeppelin в тот период работали в одной и той же студии, и Роберт Плант подсознательно проникся идеями Андерсона. Данное утверждение может показаться спорным, но ни до 1971 года, ни после Led Zeppelin не создавали песен, поэтика которых приближалась бы к "Лестнице…".

"Stairway To Heaven", не будучи официально выпущенной в формате сингла, возглавила хит-парад песен: любовь английских диск-жокеев сделала невозможное, и композиция продолжительностью восемь минут на протяжении пяти лет подряд признавалась "лучшей музыкальной радиотрансляцией года".

В конце 70 - начале 80-х годов панк-рок и "новая волна" изменили природу рока, его жанровые и стилевые границы. Но и в эти, не самые лучшие для Led Zeppelin, времена даже самые "упертые" недоброжелатели группы снимали шляпы перед единственным, по их мнению, достижением Led Zeppelin, "Stairway to heaven".

Однако отношение самих «дзеппелинов» к своему шедевру сильно отличается. Например, Роберт Плант заявил в 80-м году после смерти ударника Джона Бонэма, что эта песня стала удавкой на шее Led Zeppelin и он никогда больше не будет ее исполнять: "Это отличная песня, в свое время она была очень даже уместной, но петь ее еще десять лет - нет, увольте!".

Джимми Пейдж, напротив, никогда не присоединялся к хору критиков наследия Led Zeppelin и часто исполнял "Лестницу в небо". "Поскольку Роберт отказывается петь ее, - объясняет Пейдж, - я считаю своим долгом дать возможность зрителям самим затянуть "Stairway to heaven". Их не надо упрашивать - это они умоляют меня сыграть ее. И я горжусь тем, что я один из ее авторов. Каждый музыкант мечтает создать вещь, которая переживет его, - кажется, мне это удалось. Если Пол Маккартни не считает для себя зазорным в миллионный раз спеть "Yesterday", почему я должен вставать в позу и делать вид, что "Лестница в небо" мне надоела? Вовсе нет, я по-прежнему обожаю эту старую зануду".

Как и все великие песни, "Stairway to heaven" не избежала участи быть перепетой множество раз. В середине 80-х, когда Джимми Пейдж оставался единственным автором-исполнителем "Лестницы в небо", малоизвестная группа швейцарских немцев Far Corporation записала свою версию песни. Она стала их первым и последним хитом в Великобритании. Ролф Харрис из Австралии переделал ее по своему вкусу. Калифорнийцы Dread Zeppelin изменили "Лестницу…" практически до неузнаваемости.

А в американских магазинах музыкальных инструментов счет ежедневных "сольных программ" по исполнению вступления шел на сотни. Это стало настолько раздражать владельцев магазинов, что они пошли на крайние меры. В 1985 году в Нью-Йорке впервые оштрафовали покупателя, который после интро решил продемонстрировать свое прочтение джимминых риффов. Тогда же в Бостоне за аналогичные подвиги покупателя побили другие покупатели, а в Лос-Анджелесе - продавцы.

Нравится это или нет, "Stairway to heaven" - история рока и будет в его анналах всегда. Неважно, в каком виде вы впервые ее узнали: оригинал с альбома "Led Zeppelin IV", саундтрэк к фильму "Мир по Уэйну", хит группы Far Corporation, вариант от мистера Ролфа Харриса или кабаре-блюз Dread Zeppelin - это золотой запас рока.

Если вы считаете, что "Лестница в небо" - чудовище из чудовищ, значит, вы как минимум ее слышали. И значит, эта музыка будет вечной!

история рока
сингл
небо

Wild thing

rams — Thu, 31 Jan 2008 12:01:44 GMT

История "Wild thing" началась с Чипа Тейлора, который приходится братом актеру Джону Войту, а также дядей Анджелине Джоли. Именно он написал "Wild thing". В 1965 году песню впервые исполнила группа The Wild Ones. Однако запись вышла из ряда вон неудачной.

Годом раньше, в 1964, появилась группа Trogglodytes, названная так в честь древних обитателей пещеры Чеддар Гордж. В 1965 менеджер Ларри Пэйдж услышал выступление The Trogglodytes. Он пришел в восторг от их агрессивной манеры исполнения и тут же предложил группе подписать контракт. В феврале 1966 вышла их первая пластинка под сокращенным для простоты именем The Troggs. Она провалилась, и для следующего сингла Пэйдж решил взять чей-нибудь чужой номер.

После недолгих сомнений выбор был сделан в пользу "Wild thing" Чипа Тэйлора. Поначалу основатель группы Редж Болл пришел в ужас, прочитав текст этой песни. По меркам того времени он был не вполне пристойным. Но несмотря на это The Troggs ее все-таки спели. Жизнь показала, что это был правильный выбор. Трехаккордный ритм-энд-блюз, наглый сексуальный вокал Реджа и соло на глиняной флейте звучали настолько необычно, что "Wild thing" практически сразу же вырвалась на первые места чартов.

Песня создала вокруг группы ореол скандала, а своевременное появление в телепрограммах Thank Your Lucky Star и Top Of The Pops помогло добиться национальной известности. К тому же Болл заявил о том, что он официально меняет свою фамилию на Пресли. В мае "Wild thing" вышла на второе место в британском списке, а месяцем позже на две недели возглавила американские чарты. Еще один скандал произошел, когда выяснилось, что в США песня издана одновременно двумя фирмами – Fontana и Atco. Это и сейчас немыслимое явление.

The Troggs считаются одними из основателей панк-рока, но они не придерживались одного жанра. Они исполняли баллады, психоделику, хзви-метал. Однако со временем их свежая струя быстро иссякла, и на группу стали смотреть, как на компанию провинциальных выскочек. Однако "Wild thing" не повторила их судьбу.

В 1967 группа The Jimi Hendrix Experience впервые выступила в США - на Монтерейском поп-фестивале. Их сет завершался новой психоделической "Wild thing". Финал выступления навсегда остался в истории музыки: Джими Хендрикс сжёг на сцене свою гитару. На следующий день он стал суперзвездой в Америке.

За свои 27 лет Хендрикс сумел полностью перевернуть все представления о гитарной музыке и поп-музыке в целом. Виртуозная техника Джими и его видение музыки оказали влияние на многих музыкантов, работающих в самых различных стилях: от фанка и блюза до хард-рока и хэви-метал.

"Wild thing" неисчислимое количество раз использовалась в различных рекламных роликах, часто звучала в фильмах. В последний раз это случилось в 2004 году. "Wild thing" вошла в список саундтреков к фильму "Гарфилд", повествующего о приключениях ленивого толстого рыжего кота. В этот раз песню исполнила рок-группа Cheap Trick. Она была сформирована в Чикаго в 1973 году. Cheap Trick активно гастролировали, регулярно выступая в качестве разогревающей группы с такими монстрами, как Kiss, Queen, Journey. После первых удач и первого успеха наступил период застоя, из которого группа не могла выбраться несколько лет.

В 1986 году они записали саундтрек "Mighty wings" к фильму "Top gun". Он пользовался успехом у публики. Диск "Lap of luxury" достиг мульти-платинового статуса, а сингл "The flame" возглавил американские чарты в 1988 году, подтверждая восстановление былой славы Cheap Trick. Этого успеха они больше не смогли повторить, но, тем не менее, группа в 90-х годах постоянно занимала высокое положение среди новой волны американских альтернативных рокеров.

Так получилось, что "Wild thing" пели в основном мужские коллективы. Тем необычнее звучит она в исполнении Аманды Лир, экстравагантной женщины с неординарным голосом. Она – обладательница самого низкого голоса среди всех эстрадных певиц. Один из режиссеров радиопередач при трансляции ее песни "The sрhinx" вопрошал: "Как зовут этого парня?". Аманда была известной моделью, музой Сальвадора Дали, любовью Дэвида Боуи. Ее хотел снять в своем фильме Феллини, но Аманде не удалось набрать необходимые 15 килограммов. Сильвио Берлускони предложил ей место ведущей развлекательного шоу, и за четыре года она стала величайшей телезвездой Италии. Кроме этого, она рисует гуашью и акварелью, периодически снимается в кино. "Wild thing" в исполнении Аманды Лир приобрела особую сексуальность и женственность.

Эта музыка будет вечной!

саундтрек
агрессия
шоу
поп-музыка

Walking in the air

rams — Thu, 31 Jan 2008 11:57:44 GMT

В этой теме речь пойдет об очень известной за рубежом, но малознакомой нам рождественской песне "Walking in the air". Она настолько красива, что десятки музыкантов и певцов на протяжении многих лет предлагают свои варианты ее исполнения.

Жизнь "Walking in the air" началась с известного английского композитора Говарда Блэйка. В 1982 году он написал слова и музыку для анимационного фильма "Снеговик" ("The snowman"), который полюбился детям многих стран. Эта трогательная сказка о приключениях мальчика и слепленного им ожившего снеговика стала рождественской классикой. Впрочем, как и музыка из нее.

Группа Rainbow одной из первых предложила свою кавер-версию "Walking in the air". Она вошла в альбом 83 года "Bent out of shape". Роковая инструментальная композиция, которую коллектив назвал "The snowman", приобрела потусторонне-зловещее звучание.

Инструментальную же версию "Walking in the air" представила в 1991 году и знаменитая английская инструментальная группа Shadows. В свое время она была объектом подражания множества коллективов.

Король саундтреков Kenny Loggins также не обошел вниманием эту песню. На его альбоме "December" она стоит первой, задавая настроение всей пластинке. Еще более задумчивая и неторопливая, чем прежде, "Walking in the air" напоминает не привычные радостные рождественские песни, а, скорее, колыбельную, способную усмирить любого ребенка.

В 2001 году на небосклоне классической музыки появилась новая звездочка. Она вытеснила предыдущую юную сенсацию Шарлотту Черч и обошла в чарте классики самого Лучано Паваротти. Её первый альбом разошёлся в рекордно короткие сроки. 16-летнее новозеландское чудо на этом не остановилось: Hayley Westenra исполнила песню "May it be" из кинофильма "Властелин колец". Ее кристально чистый, прямо-таки ангельский вокал заставил "Walking in the air" звучать еще более нереально.

Впрочем, недавно заявившее о себе трио теноров из хоров The Choirboys тоже предложило классическое исполнение этой песни. Кстати, это один из первых случаев появления мальчиковой группы в этом разделе музыки. Ее основатели надеются на возрождение хоровых традиций и, более того, что The Choirboys достигнут вершин поп-чартов. Удастся ли все-таки популяризировать классическую музыку, неизвестно. Однако попыток уже было сделано множество. Мало кто не слышал о таких группах как Era или Gregorian. Последний коллектив, к слову, тоже не упустил шанса спеть "Walking in the air".

Еще один певец, исполнивший ее, о котором нельзя не упомянуть, – Клифф Ричард. Он самый первый британский исполнитель, добившийся статуса международной звезды, и потому почитаем в Англии наравне с Beatles и Rolling Stones. Ричард начал свою музыкальную карьеру в 1957 в качестве рок-исполнителя. Он закрепил свои позиции, подражая манере исполнения Элвиса Пресли, который был его кумиром как в жизни, так и в творчестве.

В английском шоу-бизнесе в те времена бытовало мнение, что юный Клифф, выдвинувшийся благодаря своему сверхъестественному перевоплощению в Пресли, продержится не дольше нескольких недель. Однако Ричард проявил настойчивость и дальновидность. Он выбрал себе стиль пения, наиболее подходящий для его мягкого баритона, и этому выбору следовал на протяжении практически всей своей карьеры, несмотря на огромные изменения, происшедшие в музыкальном мире за это время. Он одевался не так, как другие певцы, требовал для своих выступлений особых приготовлений и вообще поступал наперекор всем, кто уговаривал его следовать общепринятым нормам.

Это вызывало раздражение у старшего поколения. "Не слишком ли много секса для ТВ?", – крупными буквами взывал заголовок на первой странице "Daily Mirror". "Не оказывает ли он дурного влияния на вашу дочь?", – вопрошал другой, имея в виду, как Клифф извивается на сцене. Журнал "New Musical Express" осудил его "насильственный, ритмичный стиль". Нынче воспоминания о былых временах вызывают у него усмешку: "Я выходил на сцену, кидая угрюмый взгляд, выпячивал нижнюю губу, тряс бедрами – и зал тут же раздражался воплями. Когда тебе 17, упиваешься властью. Но что касается вызывающей сексуальности – это уж журналистская вольность".

Клифф Ричард до сих пор продолжает активно работать. Одна из английских энциклопедий назвала его Дорианом Греем рок-н-ролла. В отличие от предыдущих версий, "Walking in the air" Ричарда звучит более динамично и роково.

Однако наиболее интересную, на мой взгляд, трактовку песни предложила известная группа Nightwish, записавшая ее на альбом "Oceanborn" 1999 года. Туомас Холопайнен так объясняет выбор этой песни: "The snowman" – это мультфильм, который показывают в Финляндии по телевизору каждое Рождество вот уже более 15 лет. …Этот мультик неразрывно связан для нас с Рождеством и нашими детскими воспоминаниями, а мелодия "Walking in the air" – самая прекрасная мелодия, которую я слышал в моей жизни! Поэтому мы и решили отдать должное этой замечательной сказке, этой чудесной песенке и нашему безвозвратно ушедшему детству".

Эта музыка будет вечной!

Ievan polkka

rams — Fri, 20 Apr 2007 04:00:39 GMT

В 2006 году Интернет буквально завоевала заводная финская песня "Ievan polkka" в исполнении группы Loituma. Многие пользователи настолько "заболели" ей, что могли крутить польку часами напролет. Слушатели уже не могут от нее отделаться. Прилипчивая мелодия не отпускает даже после выключения песни. "Полька Евы" очень популярна в Финляндии, но до недавнего времени была совершенно неизвестна остальному миру. В одночасье Сеть наполнилась ссылками на закольцованный флеш-ролик, в народе получивший название "Як цуп цоп", в котором под монотонную веселую песенку девочка размахивает пучком лука-порея. Кстати, она – персонаж из популярного аниме "Bleach": оказывается, финский фольклор очень популярен в Японии. В мультике была использована лишь часть записи Лоитумы, представляющая собой бессмысленный набор звуков с редкими вкраплениями финских фраз. Эту шуточную интермедию спела Ханни-Мари Аутере, но в официальную версию текста данные слова не входят. "Польку" также время от времени используют в фильмах. Например, в 1995 она прозвучала в "Особенностях национальной охоты". "Ievan polkka" стала одним из феноменов Сети. Она соответствовала всем параметрам: практически неизвестная за пределами Финляндии песня внезапно приобрела огромную популярность благодаря массовому распространению информации, ставшему возможным с появлением Интернета. Иногда такие феномены завоевывают известность, попав на часто посещаемые веб-сайты, такие как GameFAQs, LiveJournal, YouTube или MySpace. Однако бывает, что Интернет-феномен запускает один человек, просто разместив его, к примеру, на форуме. Слова песенки на мелодию традиционной финской польки сочинил в начале 1930-х гг. Эйно Кеттунен. Исполняется песня на диалекте Саво финского языка. Он произошел от карельского диалекта финских поселенцев. Существует интересная версия происхождения "Польки Евы", к тому же и название у нее может быть другое – "Sakkijarven polkka". Говорят, чудесными свойствами мотивчика пользовались во время войны с Россией. Деревня Sakkijarvi как раз известна тем, что полькой с одноименным названием создавали радиопомехи. Похоже, сейчас деревня называется Суккозеро и находится на территории России. Интересно, что Ieva (в "чистом" финском Eeva) копирует русское произношение имени Ева. Кстати, полька распространилась по миру относительно недавно. Это старинный чешский народный танец, который исполняется парами по кругу. Предполагается, что слово "polka" связано с возросшим интересом к Польше во время польского восстания 1830-31 гг. Согласно другой точке зрения, название происходит от чешского pulka – "полшага". Этот танец обобщил типичные черты танцевальной культуры Чехии. Живой и простой по форме, он в начале XIX в. получил широкое распространение в Словакии, Сербии, Венгрии, Австрии; в 40-х гг. того же столетия стал популярен по всей Европе как бальный танец. Основные движения, используемые в нем, – полушаги и легкие прыжки с поворотом. Именно они составляют основу ряда современных народных танцев. В классической музыке многие польки были написаны Штраусами, отцом и сыном. Также их сочиняли Б. Сметана, А. Г. Рубинштейн, М. А. Балакирев, С. В. Рахманинов. Первым исполнителем "Польки Евы" считается Матти Юрва – один из наиболее ярких представителей финляндской поп-сцены 1930-х гг.: он был певцом, чечёточником, актёром, мультиинструменталистом, композитором. Юрва с успехом выступал в Финляндии и за её пределами, прежде всего в США. По свидетельству Петера фон Баха, существует, по меньшей мере, 406 грамзаписей Матти Юрва, известно также, что певец записывался и в ходе американских гастролей 1927-28 годов. "Куплетист от Бога, Матти Юрва записал и исполнил множество песен "на злобу дня", посвящённых событиям как финляндского, так и международного масштаба. Например, он пел о "сухом законе" и о Берлинской олимпиаде 1936. В ходе советско-финской войны и финской оккупации Карелии Юрва активно выступал перед финскими войсками. Одна из его песен называется "Njet, Molotoff", в которой высмеивается бахвальство советской пропаганды того времени. Многие исполняли "Польку Евы", но все же больше всего она известна благодаря финскому квартету Лоитума. Группа исполняет песни и музыку народов Финляндии – финнов, карелов, саамов. Многие их тексты взяты из карело-финского эпоса "Калевала" и из сборника финской народной поэзии "Кантелетар". Также используется более позднее народное творчество. В большинстве композиций группы звучат национальные инструменты: кантеле, лапландские барабаны, шаманские бубны. Квартет записал польку на альбом 1995 года, который в США вышел в 98 под названием "Things of beauty". Прошло какое-то время, и эта композиция затерялась в архиве группы. Даже сами музыканты забыли про песню, но тут неожиданно "Полька Евы" завоевала Интернет! Кроме клипа, огромной популярностью стал пользоваться и фрагмент выступления Лоитумы в программе "NewsNight" американской телекомпании TPT, вещающей из Миннеаполиса. В передаче, вышедшей в эфир 17 апреля 2000 года, квартет исполнил "Польку Евы", стоя перед микрофонами. Характерный облик членов группы и весёлый характер исполнения песни также внёс существенный вклад в распространение её известности. Текст польки довольно непритязателен. Он повествует о девушке по имени Ева, которая сбегает из дома, чтобы потанцевать. Ева встречает молодого человека, он провожает ее домой. Рассерженная мать набрасывается на них, но юноша велит ей прекратить шуметь, говоря, что никто не помешает им с Евой встречаться. Это девять жизней песни "Ievan polkka", и эта музыка будет вечной! Финляндия XIX век национальные особенности

Venus

rams — Fri, 20 Apr 2007 03:54:23 GMT

В истории поп-музыки не раз происходили вторжения. Самое известное и сильное из них – британское, случившееся в 63 г. Во главе его шли Beatles, покорившие весь мир. Каждое подобное вторжение создает новую энергию и дает вдохновение, необходимые для того, чтобы всколыхнуть лениво спящую мировую музыкальную сцену.
Передовую часть голландского вторжения ранних семидесятых составила группа Shocking Blue. Она покорила международные чарты синглом "Venus", который написал Робби Ван Леевен (Robbie Van Leeuwen). Сначала Робби был гитаристом в популярной нидерландской группе середины 60-х Motions. "Это было началом моей профессиональной карьеры гитариста, – говорит Леевен. – Но через несколько лет я захотел заняться немного другим". Правда, некоторые говорят, что причина его ухода из Motions заключалась вовсе не в этом: Робби был интровертом, в отличие от основателя группы Руди Беннета, который был буквально ходячим вулканом. В результате эта разница характеров привела к тому, что Робби основал собственную группу в 1967 – Shocking Blue. Вначале ребятам было довольно сложно найти свой музыкальный стиль. Затем они обратили внимание на музыку, которая приходила с западного американского побережья, и взяли ее за основу. Название Shocking Blue появилось после знакомства с песней Эрика Клэптона "Electric blue".
Мариска Верес появилась в группе совершенно случайно. Менеджер Робби услышал, как она поет и сказал ему, что "она подходит Shocking Blue и что у нее очень впечатляющий голос, который отличается от других… После того, как она у нас появилась, – вспоминает Леевен, – все произошло очень быстро, потому что первым синглом группы была "Venus", ставшая большим хитом. Все, о чем мы мечтали, произошло за один год. Песня завоевала первое место в Америке, а затем у нас было около 50 хитов в Голландии". Весьма странно, что в родной стране "Венера" вершину чартов не покорила. Впрочем, и англичане поставили ее лишь на 8 строчку хит-парада. Робби объясняет невысокое место так: "Думаю, это произошло, потому что в Англии люди шовинисты, а в Голландии, наоборот, шовинистов нет вовсе!!!". Леевен пытался написать еще одну песню, которая смогла бы стать хитом в Америке, но не преуспел в своих стараниях. Фред Бронсон в "The Billboard book of number one hits" говорит, что разочарование Робби привело к возникновению раздоров между участниками коллектива. В результате, в 1974 каждый из них пошел своим путем.
"Venus" – уникальная песня. В истории чартов Billboard только она три раза занимала первое место. Впервые это случилось 7 февраля 1970, во второй раз – 20 июня 1981 благодаря группе Stars On 45. Она, как и Shocking Blue, образовалась в Голландии, в начале 80-х была очень известна в Соединенном Королевстве, Европе и США. Коллектив популяризовал попурри, который стал их фирменным стилем. Эта концепция появилась после того, как Эггермонт прослушал бутлег танцевальной записи, сделанной группой Passion. Она использовала песни многих групп, в том числе Beatles, также взяла фрагмент из "Венеры". Эггермонт подумал: а почему бы не создать лицензионную версию подобного попурри, используя подходящих для дублирования хитов исполнителей? Подумал, сделал и не прогадал. Правда, в композиции "Stars on 45 medley" "Венера" представлена лишь характерным гитарным риффом.
Итак, это была вторая победа "Venus", а третья произошла 6 сентября 1986 г., когда мир покорило девчачье трио Bananarama из Британии. Кстати, в 1988 группа вошла в "Книгу рекордов Гиннеса" как женский коллектив, у которого песни чаще всех попадали в чарты. До сих пор это достижение никто не смог перебить.
Богиня любви и красоты запечатлела свое имя не только в песне, она в прямом смысле слова смотрит на нас с небес. Самая прекрасная и самая близкая из планет – Венера – тысячелетия приковывает взгляды человека к себе. Но сколько бы ни изучали ученые ближайшую соседку Земли по Солнечной системе, количество вопросов не убывает. Планета Венера, как и богиня, носившая также имена Афродита и Иштар, полна загадок и чудес.
Возможно, наша соседка получила свое имя, потому что давным-давно она считалась самым ярким объектом на небе. Не считая, конечно, Солнца и Луны. Венеру легко распознать, так как блеск ее намного заметнее, чем свет любых звезд. Отличительным признаком планеты является её ровный белый цвет. У Венеры есть периоды утренней и вечерней видимости: на заре цивилизации ее часто принимали за два разных светила. Например, греки утром именовали ее Эосфорус, а вечером – Гесперус. Утренняя Венера также известна как Люцифер.
Несмотря на то, что планета считается самым красивым объектом на небосклоне, для человека она представляет собой настоящий ад. Температура её поверхности – около +500oС; массивная, плотная атмосфера наполнена ядовитыми соединениями... Давление, как и температура, на Венере настолько велико, что опустившийся на её поверхность в 1982 году аппарат советской станции Венера 13 проработал всего лишь два с небольшим часа.
Учёные предполагают, что Венера не всегда была 500-градусным адом. Причиной нынешнего состояния называют… парниковый эффект. Это явление считают причиной потепления земного климата, а Венера, по мнению некоторых экологов, – это наглядная демонстрация того, что нас ждёт.
На этой "жизнерадостной" ноте предлагаю вернуться с небес на землю и вспомнить ВИА "Здравствуй, песня". Ансамбль, руководителем которого стал Аркадий Хаславский, появился на свет около 1976. Приписанный к Краснодарской филармонии, он гастролировал по стране и выступал во всевозможных эстрадных концертах с репертуаром, опиравшимся на песни самого Хаславского и Игоря Якушенко. Первый успех к ансамблю пришел в 1979 с "Песенкой о ковбое", переложением хита Sonny&Cher "A cowboy's work is never done". Ее ВИА исполнил в одной из развлекательных телепрограмм. Однако самым популярным номером в его биографии стала записанная в том же году "Синяя песня", кавер-версия "One way ticket" Гюнтера и Келлера, которая в начале 80-х годов крутилась едва ли не в каждой дискотеке страны и поныне продолжает звучать по радио.
Удачно сыграв на диско-буме, Хаславский и "Здравствуй, песня" в 1980 выпустили второй альбом "Мы любим "диско", семь из одиннадцати песен которого были каверами. Он включал классическую "Venus" Shocking Blue, "Devil woman" Клиффа Ричарда.
"После 1982, когда Министерство культуры начало закручивать гайки в области популярной музыки, а рок-культура предложила более интересную альтернативу отжившей эстетике ВИА, ансамбль потерял свою аудиторию и уже не привлекал особого внимания. Он исполнял песни официальных композиторов, аккомпанировал Михаилу Боярскому, Вячеславу Добрынину, а в декабре 1986 без особого успеха участвовал в московской "Рок-Панораме". Немного позже ансамбль распался".
"Venus" исполняли столько раз, она так часто звучит даже в рекламных роликах, что ни у кого не может быть сомнений – эта музыка будет вечной!

поп-музыка
Венера

Sing, sing, sing

rams — Fri, 20 Apr 2007 03:50:08 GMT

Одним из самых известных музыкантов эры свинга был, без сомнения, Луи Прима. Причем некоторые эксперты указывают на то, что он оказал большое влияние на рок-музыку. Например, Ник Тошес в книге "Невоспетые герои рок-н-ролла" так отзывается о Луи: "Прима предвосхитил рок-н-ролл Смешных. ...У него был новый смелый мир из хрома, не из золота; из линолеума, а не из мрамора; из жаргона, а не значительного диалога. (К чему Луи слова, когда вместо этого можно сделать шум?)".
Один из исследователей творчества музыканта говорит, что "Луи Прима был одаренным джазовым вокалистом и техничным трубачом, окружившим себя исключительными музыкантами. Его грубоватое скэт-пение и склонность к взятию высоких нот, указывают на серьезное влияние Армстронга. И все же он выковал свой лихорадочный стиль, который был единственным и неповторимым". Но "Луи так и не получил должного признания от джазовой элиты. Вероятно, потому что он считал себя шоуменом во-первых, а всем остальным во-вторых". В 1937 году Прима записал песню "Sing, sing, sing", которая в версии, сделанной оркестром Бенни Гудмена, стала проверенным гимном эры свинга", её перепело невероятное количество исполнителей. В сороковые Луи руководил биг-бэндом Gleeby Rhythm Orchestra. Именно тогда музыкант нашел свой стиль: "тугие свинговые аранжировки, профильтрованные через его уникальный юмор и итальянское здравомыслие".
Некоторые джазовые критики того периода все же были дальновиднее своих коллег и смогли оценить заслуги Луи. В июньском номере "Метронома" за 1945 год Джордж Т. Саймон писал: "Успех Примы – это и здоровый и счастливый феномен. Луи вообще-то ничего не делает: просто выходит вперед и чертовски хорошо проводит время, как прирожденный шоумен, ребячась и дразня людей в передних рядах, парней своего ансамбля и больше всего себя". Идеальнее кандидата для озвучивания Орангутанга из диснеевского мультфильма "Книга джунглей" 1967 года было просто не найти. Потрясающая сцена представляет Орангутанга по имени Кинг Луи, поющего в стиле сафари-скэт дуэт с медведем Балу.
6 июля 1937 "Sing, sing, sing" записал Бенни Гудмен с оркестром. В отличие от многих аранжировок биг-бэндов того времени, которые, как правило, длились не больше трех минут, чтобы влезть на одну сторону десятидюймовой пластинки на 78 оборотов, работа Гудмена производила сильное впечатление: оригинальная запись шла восемь минут сорок три секунды и занимала обе стороны двенадцатидюймовки. Говорят, Бенни Гудмен сказал о ней следующее: "Sing, sing, sing" – большая вещь. Ни один вечер не мог быть завершен без нее".
Оркестр "короля свинга" Бенни Гудмена был одним из самых известных и востребованных. Говорят, этот биг-бэнд стал самым популярным в мире в 1935-38 гг. "Но широкая публика практически не знала, что достижения этого оркестра базировались на огромном опыте нескольких других бэндов, в основном афроамериканских, и в первую очередь – бэнда Флетчера Хендерсона. Черный оркестр Хендерсона не мог рассчитывать на успех из-за цвета кожи музыкантов. На молодой коллектив Бенни Гудмена была сделана ставка, он широко рекламировался и на значительный период в полтора десятка лет стал образцом того, что подразумевалось под словом "свинг". Гудмен при поддержке менеджера Джона Хэммонда объединил энергетику хот-джаза и его импровизационную сущность с принципами европейской аранжировки", – говорят исследователи.
Кстати, путь наверх для музыканта был не очень легким. Он и его ансамбль получили работу на государственном субботнем радио-шоу в Нью-Йорке под названием "Let’s dance". "Благодаря популярности шоу оркестр смог совершить свой первый большой тур. Однако для многих ньюйоркцев передача с участием Гудмена шла слишком поздно, поэтому в Нью-Йорке его не очень хорошо знали. В результате концерт, планировавшийся там, был практически сорван. А в Денвере посетители клуба потребовали вернуть им деньги, если ансамбль не начнет играть вальсы. Однако когда оркестр приехал в Калифорнию, музыканты увидели огромные очереди, выстраивающиеся у клубов. Поскольку для калифорнийцев передача Гудмена выходила в эфир на три часа раньше, они могли слушать его по радио. С этого момента все изменилось". Апофеозом успеха Гудмена и его оркестра стал знаменитый концерт в 1938 году в Карнеги-Холл.
В эпоху биг-бэндов особая роль отводилась вокалистам, сообщают исследователи истории джаза. "Каждый оркестр стремился иметь у себя одного-двух певцов, многие из которых становились лицом бэнда. Появилось много талантливых исполнителей, имена которых блистали и в постсвинговую эпоху. Среди них Бинг Кросби, Боб Эберли, Перри Комо, Джек Тигарден. Еще больше возникло певиц, как афроамериканских, так и белых. С оркестром Арти Шоу выступала Билли Холидей, Чик Уэбб ангажировал юную Эллу Фитцджеральд, продолжали выступать Милдред Бейли и Этель Уотерс". В начале 40-х годов появляются Пегги Ли, Джун Кристи, Лина Хорн и Анита О'Дэй. Последняя, к слову, также перепела "Sing, sing, sing".
Анита О'Дэй признана одной из певиц, существенно повлиявших на формирование современного джазового вокала. Она родилась в 1919 году в Чикаго. В 12 лет девочка сбежала из дома. "Считают, что ее профессиональная карьера началась, когда ей было всего 15 лет и она начала участвовать в так называемых "танцевальных марафонах". Участники получали деньги, и она увеличивала доход, исполняя шлягеры тех лет. В течение последующих шести лет она поднималась на сцену то как танцовщица, то как певица, пока приглашение от Джина Крупы не определило окончательно ее профессиональный выбор. Это было в 1941 году. Вероятно, она стала наиболее запоминающейся и лучшей из всех работавших с ним певцов", – сообщает Вадим Ярмолинец в статье, посвященной Аните О'Дэй.
У певицы была своя, уникальная, фразировка, своя интонация и свое поведение на сцене, которое ломало представления о должном внешнем виде и поведении дивы. Успех ей был обеспечен, но, как это часто бывает, через какое-то время возникли проблемы. Они были связаны с пристрастием певицы к спиртному и героину. За такой образ жизни певица получила от коллег прозвище "Иезавель джаза". Одни списывают этот кризис на предельно напряженное гастрольное расписание артистки, другие на ее характер, сформировавшийся в юности, проведенной в компании самых невероятных персонажей мира джаза.
Певица начала восстанавливать свою карьеру с появления на Берлинском джазовом фестивале 1970 года. Анита О'Дэй продолжала записываться вплоть до последнего года жизни. "Все что я всегда хотела делать – это выступать на сцене, – сказала она в интервью в 1999 году. – Когда я пою, я счастлива. Я делаю то, что умею, и это мой вклад в жизнь".

La bamba

rams — Thu, 19 Apr 2007 18:04:33 GMT

Мало кто знает, что песня "La bamba" впервые была исполнена отнюдь не Los Lobos и что ее "современная" версия появилась аж в далеком 1959, а спел ее незаслуженно забытый Ритчи Вэйленс.
Его настоящее имя – Ричард Валензуэла (Richard Valenzuela). Ритчи родился 13 мая 1941 года в пригороде Лос-Анджелеса в семье мексиканца и индианки. Первые уроки испанской гитары получил в раннем детстве от отца, профессионального гитариста. Несмотря на то, что Ритчи погиб, не дожив до восемнадцати, его влияние на дальнейшую историю рок-н-ролла трудно переоценить. Вэйленс, первый герой рок-н-ролла с латинскими корнями, проторил путь для Трини Лопеза и Криса Монтеза в 60-е годы, Карлоса Сантаны в 70-е и Los Lobos в 80-е. Его непоставленный голос и стиль игры на гитаре стали основой для музыкальной революции начала 60-х годов, когда самодеятельные группы начали выходить из своих гаражей на сцену. В 1990 Ритчи получил звезду на Голливудском бульваре Славы.
В 13 лет Ричард самостоятельно выпилил из доски свою первую электрогитару. С тех пор он постоянно носил ее с собой. Во время обеденных перерывов в школе Ритчи практиковался или развлекал друзей своей музыкой.
Начав с мексиканских народных песен, к середине 50-х годов Ритчи пристрастился к блюзу, а после того, как побывал на концерте Литл Ричарда, решил, что хочет играть рок-н-ролл. В 1957 году Ритчи стал участником разношерстной группы The Silhouettes, где, несмотря на свою застенчивость, стал вокалистом. Это была бы типичная самодеятельная группа того времени, если бы не один участник – 21-летний музыкант Гил Роха. Он единственный разбирался в написании текстов для песен, аранжировке и продюсировании. Именно он сделал The Silhouettes профессиональной группой.
Сначала они играли на школьных танцах, пользовались успехом в соседних кварталах, но профессионально начали работать лишь после смерти отца Ритчи. На полученную страховку ребята арендовали небольшой зал, в котором The Silhouettes стали устраивать танцевальные вечера, быстро ставшие популярными в округе.
В 1958 группу услышал Боб Кин. Он искал таланты для своей только что открытой фирмы Del-Fi. Группа ему не понравилась, но обаяние, энергия и музыкальность поющего гитариста произвели впечатление. Кин вспоминал: "Никогда не забуду первый раз, когда я увидел Ритчи. У него была маленькая электрогитара, он стоял на сцене, взволнованно разглядывая публику". Вэйленс был большим широкоплечим молодым человеком с бледным лицом, безупречной прической и орехово-зелеными глазами. Он не походил ни на одного семнадцатилетнего, которого Кин когда-либо видел на сцене. Вскоре он подписал с Ритчи контракт. Кстати, именно благодаря Бобу Кину у Вэйленса появился звучный псевдоним. Так как до Ричарда латиноамериканских рок-н-ролл музыкантов не было, Кин беспокоился, что его имя может отпугнуть потенциальных слушателей.
Первым синглом Ричарда стала песня "Come on, let's go", а известная нам "La bamba" появилась на виниле вместе с романтической рок-балладой "Donna", адресатом которой стала реальная девушка – Донна Людвиг, подруга школьных лет Ричарда.
"La bamba" была создана в мексиканском штате Веракруз около 300 лет назад. На ее звучание повлияли испанское фламенко и афро-кубинские ритмы. Слова песни сильно варьируются, так как исполнители часто импровизируют во время представления. "La bamba" играли во время свадеб, под нее жених и невеста исполняли свой первый танец в качестве новобрачных. Сегодня эта традиция, к сожалению, практически исчезла.
В "La bamba" не меняется, пожалуй, только ее мелодия, во всех многочисленных вариантах она остается той же. Название хита может быть связано с испанским глаголом bambolear, который означает "трясти".
Вэйленс мастерски обработал песню: слегка ускорил темп, добавил броский гитарный рифф и эффектную ритм-секцию, сгладил шероховатости текста. В результате получился отличный танцевальный хит, который смогли оценить американцы.
Популярность Ритчи достигла таких размеров, что он стал героем латиноамериканцев, хотя оставался семнадцатилетним мальчишкой.
Лишь случайность не дала Ритчи продолжить жизнь и творчество. В 1959 году он отправился в тур вместе с Бигом Боппером и Бадди Холли. 3 февраля, устав от тесного и холодного автобуса, Холли зафрахтовал четырехместный самолет. Вэйленс и новый гитарист Оллсап кинули монетку, чтобы решить, кто из них поедет, а кто полетит. Через несколько минут после старта самолет, в котором находились Холли, Вэйленс, Биг Боппер и пилот, потерял управление и упал в поле. Все четверо погибли.
3 февраля 1959 позже назвали "днем, когда погибла музыка".
Ритчи всегда знал, что хочет заниматься только музыкой. Несовершенство техники не могло скрыть подлинность его эмоций. Он был слишком молод и неиспорчен, чтобы лгать.
Позднее Ритчи Вэйленс был провозглашен пионером "чикано-рока"; его успех открыл дорогу целой плеяде исполнителей, а его знаменитая "La bamba" живет до сих пор. В том числе благодаря многочисленным перепевкам. Например, ее исполнял дуэт Baccara, придавший "La bamba" более кокетливую форму. Дин Рид тоже не пропустил мимо себя такой зажигательный хит. А упомянутый ранее Трини Лопез благодаря исполнению песни получил звание "мистер La bamba".
Однако самую важную роль в увековечивании песни сыграли Los Lobos, в 1987 году записавшие саундтрек к фильму "La bamba". Это была первая в истории рок-музыки композиция на испанском языке, которая вышла на первое место американских чартов.

саундтрек

Crazy

rams — Wed, 18 Apr 2007 04:01:16 GMT

Пэтси Клайн – одна из величайших певиц в истории кантри-музыки. Она проложила дорогу всем женщинам, пришедшим на музыкальную сцену по ее следам. Пэтси поражала не только колоритным, глубоким голосом, но и удивительным обаянием. Именно благодаря ее исполнению необыкновенно красивая песня "Crazy" продолжает жить до сих пор. Интересная судьба и безвременная гибель в авиакатастрофе навсегда окружили Пэтси аурой легенды.
Настоящее имя Пэтси Клайн – Вирджиния Паттерсон Хенсли. Она родилась 8 сентября 1932 года в Винчестере (США). Первый крупный успех Вирджинии принес хит 1956 года "Walkin' after midnight". Прожив хоть и недолгую жизнь, Пэтси Клайн стала буквально символом кантри-музыки. Она умерла в 30 лет, разбившись в авиакатастрофе в 1963 году. А через 10 лет Пэтси Клайн была введена в Зал Славы кантри-музыки (Country Music Hall of Fame). Это большое достижение, так как до нее ни одна сольная певица не была удостоена подобной чести.
Что удивительно, потрясающий голос Пэтси вовсе не был дан ей от рождения, хотя еще в детстве окружающие заметили ее талант. Классического образования она не получила – Вирджиния так и не выучила ноты и никогда не знала, в каком ключе поет. Но придраться к ее исполнению было невозможно. В 13 лет она тяжело заболела. Ревматическая лихорадка и инфекция гортани дали серьезные осложнения. Пэтси буквально вернули с того света, на несколько дней поместив в кислородную камеру. В результате ее голос неузнаваемо изменился, приобретя объем и силу, которых раньше не было.
Это немаловажное обстоятельство, помноженное на редкую целеустремленность девушки, привело к тому, что еще подростком Вирджиния начала зарабатывать пением. Она регулярно участвовала в музыкальных шоу на местном радио, выступала в танцевальных клубах, ей везло на хороших знакомых. В 1953 году, в 21 год, она в первый раз вышла замуж и стала миссис Клайн. Имя Пэтси она выбрала по совету друга.
С 1955 года Пэтси Клайн становится профессиональной артисткой. На первых порах репертуар состоял целиком из традиционных кантри-песен, по большей части мажорных, энергичных композиций. Со временем она начинает петь медленные баллады, поп-музыка понемногу вытесняет кантри.
Жизнь Клайн не раз висела на волоске. Летом 1961 она попала в автомобильную аварию вместе с братом. Пэтси чудом выжила, а на память о катастрофе у нее на лбу остался глубокий шрам, который приходилось скрывать под париком.
Сразу после выхода из больницы она записала сингл "Crazy".
Любопытный факт – многие из песен, когда их предлагали в первый раз Пэтси Клайн, не вызывали у нее никакого восторга, некоторые откровенно не нравились. Они казались ей слишком далекими от кантри и перегруженными элементами поп-музыки. Продюсер Оуэн Брэдли упрашивал ее просто спеть их – так, как только она умела это делать. Но Пэтси быстро вошла во вкус, и та свобода и естественная красота, которыми отличалось ее исполнение, стали впоследствии своего рода прототипом высококачественной коммерческой разновидности кантри.
Поначалу "Crazy" тоже не вызывала у Пэтси восторга. Она считала песню раздражающей. Интересно, было ли известно автору "Crazy" Уилли Нельсону, считающемуся сейчас американской иконой, о таком отношении певицы. Нельсон сочинил песню в 61 году, и тогда она называлась "Stupid". К этому времени за плечами автора было несколько хитов, исполненных разными певцами, а Пэтси уже была звездой кантри-музыки. Вообще-то Уилли написал песню для кантри-певца Билли Уокера, но его что-то не устроило, и "Crazy" предложили Пэтси Клайн. Ее реакция тоже не была обнадеживающей. Но, к счастью, певица все-таки согласилась записать "Crazy" на свой второй альбом. Правда, Пэтси еще не вполне владела голосом из-за острой боли в сломанном ребре, поэтому не сразу смогла ее исполнить.
Музыкальная аранжировка "Crazy" была одной из первых попыток Оуэна Брэдли соединить кантри и поп-музыку. "Мы занимались песней "I fall to pieces", и в рекорд-компании посчитали, что она слишком кантри. Так что нас попросили сделать следующую композицию несколько более космополитичной. Мы убрали скрипку и ритм-секцию. …Большая часть того, что вы слышите – фортепьяно. Но если вы внимательно прислушаетесь, то различите и меня. Я играю на органе".
Пэтси Клайн умерла рано, но это не помешало "Crazy" стать одной из немногих песен, надолго переживших своего первого исполнителя. Например, в 98 группа Kidneythieves, игравшая индустриальный рок, записала ее кавер для фильма "Невеста Чаки".
В 2003 вышел в свет альбом "Glamoured" Кассандры Уилсон. Ее репертуар состоит из джазовых, блюзовых стандартов и переделанных поп и рок-песен. Жанровые границы музыки Уилсон варьируются от свинга до фанка и босса нова.
Забавно, если бы не политика, вряд ли бы мы услышали, как Хулио Иглесиас поет "Crazy". По его признанию, он впервые услышал песню в 1992 году по телевизору, когда показывали одного из экзотических кандидатов в президенты США. Техасец Росс Перро танцевал под "Crazy" со своей дочерью во время предвыборной поездки.

Smoke on the water

rams — Wed, 18 Apr 2007 03:57:52 GMT

Песня "Smoke on the water" - это визитная карточка группы Deep Purple. Она стала настоящим гимном хард-рока. Вполне естественно, что у такой песни интересная судьба.
"Дым над водой" родился в швейцарском городе Монтре. Он просто переполнен былями и легендами из жизни музыкальных суперзвезд. Например, Монтре был одним из любимейших мест проживания Фредди Меркьюри, памятник которому, единственный в мире, стоит на набережной. Здесь эта эксцентрическая личность нарушала ленивую курортную жизнь своими оргиями и эскападами. В Монтре были созданы многие альбомы, изменившие музыкальный мир. Здесь работали Queen, David Bowie, Peter Gabriel, Sting и многие другие.
В конце 1971 года Deep Purple записывали здесь свой новый альбом. В это время в казино Монтре Фрэнк Заппа and the Mothers давали концерт, на котором кто-то из зрителей запустил ракету. Это вызвало пожар, и казино сгорело. Первоначальные планы по записи альбома "Machine head" на сцене Montreux Casino пришлось изменить.
Ребятам удалось снять полупустую гостиницу "Гранд-Отель". К ней перегнали передвижную студию, взятую в аренду у Rolling Stones, и началась работа над альбомом.
Первый вариант текста будущего хита набросал на бумажной салфетке Иан Гиллан, глядя, как он рассказывал, на дым от пожара, стелившийся над Женевским озером. Прошло несколько лет, группа меняла свой состав, распадалась, собиралась и снова распадалась, а "Smoke on the water" жила своей жизнью.
В 1991 году "Дым…" стал саундтреком к нашумевшему боевику "На гребне волны" ("Point break"). Исполнила его многообещающая группа Loudhouse. Увы, она не приносила никакого дохода. К тому же коллектив своей музыкой разочаровал руководство фирмы Virgin, и запланированный контракт рухнул. С тех пор о Loudhouse ничего не слышно. Песня "Smoke on the water" пережила и эту группу…
В 1999 году трое немецких музыкантов решили, что пора возродить интерес публики к power metal. Это у них получилось – Metalium стала одной из самых популярных групп 99 года. Их дебютный альбом "Millenium Metal – Chapter One" завоевал самые высокие места в чарте Media Control, которые только могла занять в Германии начинающая heavy metal группа. "Дым над водой" занял на этом диске достойное место. Мощное исполнение, насыщенность, убыстренный темп сделали его реальным соперником оригинала.
2003 год. Throne of Chaos (TOC) записали альбом "Loss Angeles", на котором появилась новая версия старой "Smoke on the water".
Впервые группа заявила о себе в 2000 году, когда вышел их первый альбом "Menace and Prayer". Он охарактеризовал стиль группы как melodic-death. Альбом слушался на одном дыхании, и был настолько слаженно и мастерски сыгран, что пресса удостоила Throne of Chaos лестным сравнением с Children of Bodom. А вот группе это не польстило. С тех пор они сильно изменили свой стиль. Альбом "Loss Angeles", кажется, записала совсем иная группа.
С хитом Deep Purple "Smoke on the water" TOC хорошо поиграли: он исполнен в несколько раз быстрее, чем реальный, местами ещё и с брутальным вокалом. Получилось довольно забавно.
Несмотря на то, что самым известным исполнением "Дыма…" все-таки остается неторопливое классическое от Deep Purple, другие варианты песни от Metalium, TOC, Loudhouse, на мой взгляд, не уступают оригиналу и сейчас даже более интересны.

дым над водой
стиль метал

O sole mio

rams — Mon, 09 Apr 2007 12:19:59 GMT

Есть песни, которые как будто знакомы всю жизнь. Они пришли к нам так рано, что иногда даже не знаешь их исполнителей, а тем более авторов. Некоторые люди начинают считать их народными, так случилось, например, с "Besame mucho" или "Катюшей". "O sole mio" тоже не миновала сия участь.
На самом деле история появления этой красивой песни отнюдь не является тайной. Более того, в 2006 году даже опубликовали книгу под названием "O sole mio". История самой известной песни в мире". Ее написал итальянский историк музыки и художественный директор Неаполитанского музыкального архива Пакито дель Боско. Согласно этому исследованию, мелодию для хрестоматийного неаполитанского шлягера композитор Эдуардо ди Капуа сочинил во время пребывания в Одессе в 1898 году. Текст песни у ди Капуа уже был с собой во время путешествия по югу России. Его автор – неаполитанец Джованни Капурро. Впервые "O sole mio" опубликовали в 1899.
Но по каким-то причинам, ди Капуа и Капурро продали права на песню за 25 лир издательству "Bideri". Впоследствии оба соавтора умерли в нищете: ди Капуа в 1917 г. в Милане, а Капурро в Мехико тремя годами позже. В 1972 году произошла не очень красивая история. Выяснилось, что на права на песню "O sole mio" претендуют потомки Эмануэле Альфредо Маццуки, который был ассистентом ди Капуа. В 2002 году тяжба завершилась в их пользу: судья решил, что вклад ассистента в творческий процесс сейчас невозможно вычленить, поэтому отныне следует писать, что Маццуки – соавтор ди Капуа.
Одна из самых популярных легенд об "O sole mio", говорят, была рассказана французским писателем Марселем Прустом. На Олимпийских играх 1920 года в Антверпене оркестр не смог исполнить итальянский гимн, так как дирижер не нашел ноты, зато с успехом сыграл сочинение ди Капуа и Капурро по памяти.
Песня давно вошла в репертуар известнейших певцов: Марио Ланца, Энрико Карузо, Лучано Паваротти, Андреа Бочелли. Удивительно, как часто гениев недооценивают, считают их или выскочками, или пустозвонами. Многим везет, если хотя бы следующие поколения признают их заслуги. Карузо удалось добиться восхищения современников, но далеко не сразу его голос был оценен по достоинству.
Как-то молодой человек отправился "в главный оперный театр Неаполя, – говорит Валерий Простаков, член Союза журналистов Москвы, заслуженный деятель культуры России, – и заявил, что готов заменить в опере "Фауст" заболевшего тенора. После первой же попытки исполнить арию главного героя кандидатура Карузо была категорически отвергнута: по мнению дирижера, у него не голос, а "сущая безделица". Двадцать лет спустя в интервью корреспонденту "Giornale d’Italia" певец, вспоминая этот эпизод, сказал: "Такой "безделицей" мой голос оставался еще довольно долго. Вот тогда-то я и начал учить сам себя… Я стал исправлять дефекты, на свой страх и риск подбирать репертуар и репетировать, репетировать, стараясь пристраивать все эти ноты в горле так, чтобы они были мне удобны".
Карузо называют величайшим тенором всех времен, но некоторые специалисты считают, что на самом деле у него был баритон. Мариус Плужников, заведующий кафедрой оториноларингологии 1-го Ленинградского медицинского института, председатель правления Всесоюзного научного общества оториноларингологов, и Сергей Рязанцев, ассистент кафедры оториноларингологии 1-го Ленинградского медицинского института, кандидат медицинских наук, в книге "Среди запахов и звуков" пишут следующее: "Карузо обладал природным баритоном, но допущенная в самом начале обучения певца его вокальными педагогами ошибка в классификации голоса привела к неправильному развитию голоса в несвойственной ему разновидности. Энрико Карузо в результате полученного образования стал петь не как баритон, а как форсированный тенор, что привело к перенапряжению голосовых связок из-за постоянной работы в несвойственном им режиме. Из биографии Карузо известно, что за свою блестящую, но очень короткую карьеру он перенес семь операций по поводу узлов на голосовых связках".
Еще одна итальянская легенда исполнила известнейшую неаполитанскую песню. Робертино Лорети с самого раннего детства увлекался музыкой, его голос пленял всех своей чистотой. Шанс стать звездой мирового масштаба выпал мальчику в 1960 году, когда он работал рассыльным в кондитерской. Роберто часто пел на работе и однажды, доставив пирожные в ресторан на свадебное торжество, выступил перед гостями. Рассказывают, что чистый и нежный голос мальчика произвёл магическое впечатление на слушателей, и Робертино мгновенно завоевал успех. Сам певец на вопрос, как все начиналось, рассказал более подробную историю: "Мне было 10 лет, когда меня открыли в радиотелевизионной передаче. Был конкурс дилетантов... Любителей, да... Я его выиграл, меня пригласили участвовать в хоре. И я три года пел в нем, потом постепенно стал первым вокалистом. В кафе "Гранд Италия" был концертный зал, там меня увидел продюсер Скандинавского телевидения, увез в Швецию. Так что моя профессиональная вокальная карьера началась в Северной Европе. Это потом были Испания, Франция, США – весь мир".
Контракты, договоры, приглашения сниматься в кино сыпались, как из рога изобилия. Его пластинки расходились миллионными тиражами, в том числе и в СССР. Слава Робертино росла. Он выступал с концертами практически по всей Европе. Критики были единогласны в своем мнении: его называли новым Карузо. Успех сопутствовал Лорети также в США, Канаде, России, Японии, Австралии. Его второй альбом с песней "O sole mio", то есть "О мое солнце", стал золотым в Европе. В списке десяти самых популярных исполнителей того времени Элвис Пресли занимал лишь третью строчку, тогда как Робертино был первым.
Однако вскоре его голос изменился, но мастерство и любовь к музыке остались, так что Роберто Лорети продолжает выступать. Правда, на вещи певец смотрит реально: "Я всегда пою только то, что ждет от меня моя публика... Даже ничего не нужно определять. Просто я выхожу на сцену, хочу, например, спеть что-нибудь красивое, свое, о тех местах, где родился. А публика просит: "Джамайка!", "Санта-Лючия!", "Аве Мария!". Так происходит всякий раз, и ничего с этим нельзя поделать. И меня уже не переделаешь: кто родился круглым, никогда не станет квадратным...".
Ну а напоследок еще немного информации. В 1949 американский певец Тони Мартин записал первую англоязычную версию "O sole mio" под названием "There's no tomorrow". Примерно через 10 лет Элвис Пресли во время службы в армии услышал это творение, и через какое-то время появилась "It's now or never", "свободное переложение "O sole mio" в модной латинизированной аранжировке". Эта песня стала его самым большим международным хитом.

Besame mucho

rams — Sun, 18 Feb 2007 18:33:58 GMT

Ее называют лучшей песней тысячелетия о любви. Ее пели на 120 языках в ста с лишним странах. Существует более 700 разных исполнений композиции. Согласно некоторым источникам, это самая часто исполняемая песня двадцатого столетия. По данным опроса, проведенного музыкальными критиками разных стран, она вошла в десятку самых популярных композиций ушедшего века. Песня, которую знают все и которую многие считают народной, – "Besame mucho".
"Босоногая дива" Сезария Эвора спела ее наиболее проникновенно. Она родилась 27 августа 1941 в Минделу, сейчас это республика Кабо-Верде. Она начала профессионально петь и выступать в 16 лет. Тогда Эвора исполняла исключительно mornas – песни традиционного для Островов Зеленого Мыса жанра, он сформировался под влиянием португальской музыки, ритмов близлежащей Африки, а также музыкальной традиции Бразилии. Первые профессиональные записи певица сделала в середине 1980-х, а после выхода двух альбомов в 1991 и 92 годах ("Mar Azul" и "Miss Perfumado") стала знаменита в Европе. Через несколько лет Сезария Эвора получила широкую известность и в США. С 2002 года певица регулярно выступает в России, где она стала популярна и благодаря своей версии "Besame mucho".
Имя автора этой легендарной песни – Консуэло Веласкес. Когда она родилась – загадка. Кто-то говорит, что Веласкес появилась на свет в Мексике в 1916 году. Многие музыкальные источники называют датой ее рождения 1924, некоторые – 1920 год. Консуэло любила списывать себе несколько лет, поэтому данный факт сложно установить. Она ушла из жизни в январе 2005 года, и лишь тогда о ней снова заговорили в СМИ. А до этого многие годы никто и не вспоминал автора бессмертной "Besame mucho". Если точный год рождения Консуэло Веласкес сложно назвать, то с песней все намного проще. "Целуй меня крепче", так переводят ее название, появилась в 1941.
Юная Консуэло, как и все мексиканские девушки, мечтала о красивой жизни – как в кино. Именно такую жизнь и настоящую страстную любовь обещал с экрана голливудский актер Грегори Пек. Ему и посвятила свою песню Консуэло. Уже прославившись на весь мир, девушка встретила своего кумира и даже получила предложение руки и сердца, но ответила отказом – дома ждал простой мексиканский парень, оказавшийся и ближе, и родней. Но есть и более прозаичная версия: Консуэло Веласкес написала "Besame mucho" под впечатлением от услышанной арии из оперы "Goyescas", написанной известным испанским композитором Энрике Гранадосом (1867-1916).
Легенды и слухи окружили песню, и сейчас вряд ли кто-то разберется, что является правдой, а что – красивой выдумкой.
В 1944 году песня "Besame mucho" стала первой мексиканской песней победившей в хит-параде, проходившем в Нью-Йорке. Песней номер один "Besame mucho" стала после исполнения Jimmi Dorsey и его оркестром. В течение трех месяцев "Besame" находилась на вершине популярности в США, Европе, Азии и Латинской Америке.
Фантастический успех "Целуй меня крепче" никак не изменил жизнь девушки из хорошей семьи, с детства игравшей на фортепиано. Она поступила в консерваторию, стала профессиональным композитором, опубликовала сотни страниц серьезных симфонических партитур. Известной Консуэло стала и благодаря таким песням как "Любить и жить" ("Amar y vivir"), "Качито" ("Cachito"), "Будь счастлив" ("Que seas feliz"), но только "Besame mucho" принесла ей настоящую славу.
Почти всю жизнь Веласкес была вынуждена вспоминать для прессы, "как это произошло", давая детальные интервью про то, в каком платье она была и какая была погода в тот самый день 41, когда ей пришла в голову чудесная песенка.
Консуэло в 2001 году рассказывала: "Она стала тем волшебным ключом, который открыл для меня все самые желанные двери. Вы не поверите, мне предлагали миллионные контракты в Голливуде, приглашали сниматься в кино, участвовать в самых престижных международных конкурсах. Не знаю, почему, но тогда я от всего этого отказалась. Молодая была... Ведь когда я написала эту песню, мне было всего 15 лет, и я ни разу ни с кем даже не целовалась. Поначалу стеснялась признаться, что я – ее автор. Я вообще всегда боялась всякого шума вокруг своей персоны, любила одиночество, хотела тихого семейного счастья. Мечтала заниматься любимым делом – выступать с концертами как пианистка".
"Besame mucho" обеспечила Консуэло безбедную жизнь. Сеньора Веласкес получала определенный процент за каждое ее исполнение, будь то в концерте, кинофильме или на телевидении. А это случалось, конечно, очень часто. Однако песня помогла в жизни не только своему автору. Например, маленькая раскрашенная фотография Консуэло Веласкес с обложки иностранного журнала, случайно попавшего в Советский Союз, долгие годы "кормила" глухонемого продавца дешевых календариков.
Первая советская запись шлягера была издана на миньоне. Исполнил ее на испанском языке питерский шансонье Глеб Романов. Тогда же песня получила и русский эпиграф:
Не спится юному ковбою:
Разлука с милой парня мучит.
И шепчет он: "О будь со мною,
Целуй меня, besame mucho!..".
К слову, на пластинках первых советских изданий "Besame mucho" в исполнении Глеба Романова и оркестра под управлением Анатолия Бадхена 1953 или 1954 года написано "Мексиканская народная песня".
Анатолий Герасимов, российский саксофонист, игравший в оркестре Эллингтона, говорил: "Я всегда думал, что это народная песня – как наши "Очи черные". Я часто играл и буду играть эту тему, которая каждый раз трогает, причем не только слушателя, но и музыканта. Такое редко бывает. Насколько знаю, "Besame" появилась в то же время, что и джазовые стандарты, но это не джаз и не танго, это что-то особое, что помнишь с самого детства. Это такая красивая песня – как ее ни играй".
Консуэло Веласкес, кстати, приезжала в СССР: "…я была членом жюри Международного конкурса имени Чайковского. Первый москвич, с которым я познакомилась, был шофером такси. Всю дорогу от аэропорта до гостиницы он насвистывал мою мелодию. Как выяснилось, на экраны страны только что вышел фильм "Москва слезам не верит", где "Besame mucho" проходила своеобразным лейтмотивом. Узнав, что я автор этой песни, шофер наотрез отказался брать с меня деньги за проезд".
Перечислять всех исполнителей легендарной песни бесполезно, так много их было. Но есть несколько вариантов, на которые стоит обратить особое внимание. Один из них принадлежит Пако де Лусия.
Один из побывавших на его выступлениях так рассказывает об этом музыканте: "Пако – гитарист фламенко, который значительно перерос жанровые рамки, и, с некоторыми оговорками, может быть отнесен в своем нынешнем творчестве к стилю fusion.
В течение многих поколений гитаристы фламенко были, прежде всего, аккомпаниаторами для певцов или танцовщиц. Одно из новаторств Пако де Лусия заключалось в том, что он стал играть арпеджио и пассажи, извлекая практически каждый звук пальцами правой руки. Это стало самым сильным моментом в его технике – отдельные звуки в пассажах "сыпятся" из гитары, как сухой горох в пустую кастрюлю, – звучат четко, не сливаясь даже на феноменально высокой скорости.
Он оригинален даже в мелочах. Он привнес на эстрадную сцену посадку "нога на ногу". Во время игры он нередко притопывает своим черным ботинком. Пако не использует традиционную (немного по-азиатски "гнусавую") гитару фламенко. Его гитары – с характеристиками фламенко и классической, так как он нуждается в более богатом звуке для игры со своей группой. На концертах и при записи Пако держит деку довольно далеко от микрофона, потому что, по его словам, ненавидит скрип и шуршание ногтей на струнах. "Кроме того, – говорит Пако, – когда вы слушаете гитару, вы не слушаете ее на расстоянии два дюйма. Звук, который вы слышите, более удаленный, и я предпочитаю именно такой звук". Звукорежиссеры говорят Пако, что сделают ему объемный звук передвижением нескольких ручек на пульте, но тот стоит на своем. Пако играет, используя эффект эха для того, чтобы звук гитары угасал позже. Гитарист сделал основным ритмом своих композиций фламенковый танец булериас, который гитаристы фламенко играют, когда хотят блеснуть – Пако блистает почти в каждой исполняемой теме. Румба де Лусия под необычным названием "Между двух вод" стала такой же популярной, как "Besame mucho".
Пако основал жанр, который в девяностых годах получил название new flamenco. Жанр получил всеобщее мировое признание, хотя его последователи выступают некоторой общей массой – раскрученных в мировом масштабе имен среди них нет. Но все-таки Пако де Лусия стоит первым в списке гитаристов фламенко. И в этом есть какая-то другая справедливость. В одном из интервью он заявил, что 90% своей жизни уделяет гитаре. Вместе с началом своего профессионального пути в пятилетнем возрасте это напоминает цельный жизненный путь каких-нибудь выдающихся мастеров боевых искусств Востока. Именно такие люди основывают новые направления и открывают горизонты. И Пако – несомненно, один из таких людей.
В 2003 году вышел фильм "Улыбка Мона Лизы", рассказывающий о борьбе героини Джулии Робертс за свои права. Одним из саундтреков стала незабвенная "Besame mucho" в исполнении Криса Айзека.
Он один из немногих успешных исполнителей стиля "романтического рокабилли". Chris Isaak с детства слушал пластинки Элвиса Пресли и звезд эстрады 40-х и 50-х годов, что сильно сказалось на его дальнейшем творчестве.
В октябре 1987 года у Айзека появился первый хит – баллада "Blue hotel". Печальное обаяние песни сначала оценили только французские меломаны. Но уже в конце года журнал "USA Today" рекомендовал альбом "Chris Isaak" своим читателям как "альбом 1987", что свидетельствовало о растущей известности Криса. Известность эта, впрочем, не устраивала фирму Warner Brothers, которая хотела быстрых прибылей. После того как альбом "Heart shaped world" в августе 1989 года не поднялся выше 149 места в США, компания объявила о расторжении контракта, объяснив этот шаг тем, что мрачные и меланхоличные айзековские баллады а-ля 50-е коммерчески не выгодны. К счастью, это не оказалось концом карьеры Криса Айзека.
Знаменитый Дэвид Линч, однажды уже использовавший музыку Криса Айзека для своего фильма "Синий бархат" ("Blue velvet"), пригласил его написать музыку для "Диких сердцем" ("Wild at heart") с Николасом Кейджем в главной роли. Фильм позже получил "Золотую пальмовую ветвь". Именно успех фильма "Дикие сердцем" стал определяющим обстоятельством в присуждении Дэвиду Линчу неофициального звания "лучший режиссер американского кино" при проведении опроса критиков разных стран.
После выхода фильма Крис Айзек неожиданно стал любимчиком модных журналов – "Esquire" и "Elle" посвятили ему большие статьи, журнал "People" назвал Криса одним из красивейших людей мира.
Но со временем не проходящая грусть Айзека начала приедаться, суперхитов наподобие "Wicked game" больше не было. Популярность Криса постепенно падает, правда, диски продолжают выходить.

God bless America

rams — Wed, 31 Jan 2007 18:39:23 GMT

В США, как и в любой другой стране, есть немало патриотических песен, как, например, "The star-spangled banner" и две песни с одним названием "God bless America". Первая из них и гораздо менее известная была опубликована в 1834, ее сочинил Роберт Монтгомери Бёрд. Начинается она так:
God bless the land that gave us birth!
No pray'r but this know we.
God bless the land, of all the earth,
The happy and the free.

Вторая "God bless America" появилась в 1918 г. благодаря Ирвингу Берлину, его имя можно поставить в один ряд с такими прославленными авторами песен как Коул Портер и Гершвин. Берлин родился в 1888 в еврейской семье, тогда его звали Israel Isidore Baline. Где именно она проживала, точно неизвестно. По одним данным, это была Тюмень, а по другим – Могилёв, который сейчас расположен на территории Белоруссии. Когда Ирвинг был совсем маленьким, его семья переселилась в Соединенные Штаты. С точными датами тоже проблема: многие источники утверждают, что смена места жительства произошла, когда мальчику было 5 лет, ну а Википедия сообщает точную дату этого события – 1891 год, то есть когда Берлину было не больше трех.

Вскоре после переезда отец умер, и мальчику пришлось искать работу. Перепробовав несколько профессий, он стал поющим официантом в одном из кафе. Однажды хозяин попросил Израиля написать песню для своего заведения. Результатом стала "Marie from sunny Italy", вскоре ее опубликовали. Хотя песенка принесла своему автору лишь 37 центов, она определила всю его будущую жизнь, да и имя тоже: Израиль Бэлайн стал Ирвингом Берлином. Юноше удивительно повезло: у него был настоящий талант. Не зная нот и, соответственно, не умея их читать, он умудрился написать множество замечательных и популярных композиций. Первая слава пришла к Ирвингу уже в 1911 г., когда появилась "Alexander's Ragtime band". Эту песню записывали, иногда и не по одному разу, Бесси Смит, Луи Армстронг, Бинг Кросби, Джонни Мерсер и Рэй Чарльз.

В 1917, когда шла Первая мировая война, Берлин вступил в армию США. Филип Фурия, профессор Университета Северной Каролины и автор книги "Ирвинг Берлин, жизнь в песне" ("Irving Berlin, a life in song"), рассказывает: "Когда он работал в салунах, то проводил там целые ночи. После нескольких лет такого графика, он просто не мог спать, когда положено, поэтому продолжал работать именно по ночам. Попав в армию с ее побудками, Берлин испытал сильный стресс. Для него это был кошмар. Чтобы избавиться от побудки, гласит история, он отправился к генералу с предложением: "Почему бы нам не поставить шоу?". Тому идея понравилась, и последовал ответ: "Берлин, вы этим займетесь". Ирвинг продолжил: "Но, генерал, есть одно условие – у меня должна быть возможность работать по ночам". Берлин добился, чего хотел: вставать по утрам ему больше не приходилось".

Кстати, об этом мучении он даже написал в одной из своих песен: "Some day I’m going to murder the bugler. Some day they’re going to find him dead. Some day they’re gonna find him dead. And then I’ll get that other pup, the man who wakes the bugler up, and spend the rest of my life in bed" ("Когда-нибудь я убью горниста, когда-нибудь его найдут мертвым. Затем я достану того молокососа, который будит горниста, и проведу остаток своей жизни в постели"). Для обещанного шоу Ирвинг написал "God bless America", но почему-то она не подошла, и ее отложили в долгий ящик. Песне пришлось ждать еще 20 лет, прежде чем она приняла окончательный вид и получила популярность во всей Америке.

В 1938 г., когда Гитлер начал разворачиваться во всю силу, певица Кейт Смит предложила Берлину написать песню ко Дню перемирия 11 ноября. Тогда Ирвинг решил, что пришло время для "God bless America", для "мирной песни". Он изменил пару строк, которые, по его мнению, не подходили к моменту. Дочь автора, Линда Эмметт, говорит: "Я бы интерпретировала его слова о том, что это мирная песня, так – это была песня надежды". Надежда в 38-м людям была нужна как никогда прежде, поэтому сразу после выхода "God bless America" в исполнении Кейт Смит стала хитом.

Певица была одной из самых любимых исполнительниц в Америке. Ее музыкальная карьера началась в 1930, когда она повстречала своего будущего менеджера. Через год она стала выступать по радио, а затем появилась в фильме "Hello everybody!". В 43-м Кейт Смит спела "God bless America" в кинокартине "This is the army". Вскоре после первого выхода произведение Ирвинга даже появилось движение, которое ратовало за то, чтобы сделать "God bless America" государственным гимном.

Филип Фурия по этому поводу рассказывает: "Следует помнить, что "The star-spangled banner" не всегда был нашим гимном. Эту песню объявили таковой лишь в 1931… Думаю, даже Элеонора Рузвельт задавалась вопросом: "Почему гимном не может стать "God bless America"?". Я имею в виду, кто может спеть "Усеянный звездами флаг"? Он довольно сложен для исполнения. Произведение же Берлина прекрасно в своей простоте, непосредственно в выражении эмоций, к тому же "God bless America" легко может спеть большая группа людей, в общем, она соответствует всем критериям, которым должен отвечать государственный гимн. Но когда люди начали предлагать изменить статус песни и даже исполнять ее вместо официального гимна, взбунтовалось старшее поколение. Оно стало открыто осуждать еврея-иммигранта: да как он посмел даже подумать, что напишет гимн Америки? Хотя Берлин никогда не предлагал этого. Более того, он был против – он говорил примерно так: у нас уже есть один государственный гимн, и этого вполне достаточно". Однако ничто не могло помешать "God bless America" стать неофициальным гимном США. Сейчас песню часто можно услышать на спортивных мероприятиях, концертах и других публичных событиях, на которых исполняют патриотические песни, иногда она даже заменяет собою "The star-spangled banner".

Наиболее ярко значение "God bless America" может продемонстрировать такой факт: вечером 11 сентября 2001 члены Конгресса Соединенных штатов собрались на ступенях Капитолия и начали петь именно ее. 16 октября этого же года вышел альбом "God bless America", а знаменитый неофициальный гимн на этот раз исполнила Селин Дион. И в этот раз песня смогла попасть в хит-парады: она заняла 14 место в чарте Биллборд.

Это 9 жизней песни "God bless America" и эта музыка будет вечной!

гимны

Personal Jesus

rams — Mon, 22 Jan 2007 13:41:21 GMT

По поводу "Personal Jesus" ходит немало слухов. Пожалуй, самым распространенным является такой: Мартин Гор написал песню, увидев в очередной раз какого-то телепроповедника. Однако если верить все же автору, то на появление "Personal Jesus" его вдохновила книга "Элвис и я" Присциллы Пресли, жены короля рок-н-ролла: "Это песня о том, каково быть Иисусом для кого-то, дарить надежду и заботу"

подробнее...

Иисус